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Exposición sobre Stanley Kubrick en el CCCB de Barcelona

lunes, 29 de octubre de 2018 Comments off

A veces los árboles no dejan ver el bosque. Quienes reserven un vuelo a Barcelona seguro que llevan en mente visitar esa pléyade de atractivos que incluye desde los edificios modernistas a algunos de los museos más frecuentados de España, pasando por rincones naturales del entorno, pueblos pintorescos y mil cosas más. Y eso hace que pasen desapercibidos otros sitios que pueden resultar igualmente interesantes. Uno de ellos podría ser, por ejemplo, el CCCB (Centre de Cultura Contemporánia de Barcelona).

No vamos a hablar aquí de esa institución en general sino de uno de los eventos que inauguró el pasado 24 de octubre, una apasionante exposición que lleva por título un sencillo nombre propio: Stanley Kubrick. Cualquier cinéfilo -en realidad ni siquiera hace falta serlo- lo reconocer; se trata de uno de los grandes cineastas de la historia del séptimo arte y cuya trayectoria profesional es analizada por en esta muestra del CCCB.

Sus primeros años de aprendizaje como fotógrafo de la revista Look, su pequeña -pero enorme a un tiempo- cantidad de largometrajes, los proyectos que nunca llegaron a ver la luz o que acabaron en manos de otros directores… Todo ello a través de más de seiscientos ítems que incluyen cuarenta audiovisuales, documentos diversos, guiones, vestuario, cámaras, maquetas, storyboards, fotos y similares procedentes de su labor profesional, de sus películas.

Ahí están piezas emblemáticas como el disfraz de homínido de 2001, una odisea del espacio, el casco con el eslógan Born to kill que llevaba el protagonista de La chaqueta metálica, el hacha que manejaba Jack Nicholson en El resplandor, el objetivo Zeiss de alta velocidad (hasta entonces usado sólo por la NASA ) empleado para rodar con luz natural en Barry Lyndon, las enigmáticas máscaras que aparecían en la turbadora escena de Eyes wide shut, etc.

Hans-Peter Reichmann y Tim Heptner, del Deutsches Filmmuseum de Frankfurt, son los comisarios de esta exposición que ya ha pasado por otras ciudades del mundo como México DF, Los Ángeles, Seúl o París y que en Barcelona ha contado con la colaboración del crítico Jordi Costa i Vila para su adaptación, incorporando nuevos e inéditos contenidos.

Se podrá visitar hasta el 31 de marzo. La entrada vale 6 euros (4 en tarifa reducida) y por un euro más hay audioguías en catalán, castellano, inglés (los miércoles son gratuitas).

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El mundo de los faraones en el CaixaFórum madrileño

martes, 23 de octubre de 2018 Comments off

El antiguo Egipto siempre ejerce una especial atracción sobre el público. Su arte, su historia, su iconografía en general, resultan fascinantes para casi todos, por eso cada poco suele haber alguna exposición relacionada con aquella milenaria civilización. La más reciente se inauguró el pasado 17 de octubre en Madrid, en la sede de CaixaFórum, y lleva por significativo título Faraón. Rey de Egipto.

Como todo el mundo sabe, faraón es la palabra con que los egipcios denominaban a su rey. Significa Gran Casa y designaba un cargo que regía la vida y la muerte de un país que se desarrollaba a lo largo de las fértiles riberas del Nilo, las cuales se dividían originalmente en dos reinos: el Alto Egipto (interior) y el Bajo Egipto (zona del delta). Una vez unificados, los faraones encarnaban esa unión portando la doble corona que representaba a ambos.

Encargados de proteger su tierra y a sus súbditos, también tenían el deber de garantizar el Maat, es decir, el orden del universo, como dioses vivientes encarnados en este mundo, hijos de Horus. Lo hicieron durante un extenso período que abarca aproximadamente desde el año 3.100 a.C hasta el 30 a.C, cuando los romanos incorporaron Egipto a su imperio. Para entonces ya se habían sucedido dinastías autóctonas y foráneas (hicsas, nubias, griegas)

La muestra de CaixaFórum reúne una selección de 164 piezas procedentes de uno de los muesos de egiptología más interesantes que existen, el British Museum. A través de esos objetos se pretende explorar los ideales, simbolismos e ideología de aquellos gobernantes que han dejado a la posteridad algunos nombres inolvidables, como los que siguen nombrando a las grandes pirámides (Kéops, Kefrén, Micerino, Snefrú, Zoser…) o lo que conocemos por avatares de su vida (Akhenatón, Tutmosis III, Hatshepsut, Ramsés II, Tutankhamón…).

Entre esas obras figuran la tapa del sarcófago de Ramsés VI, una cabeza del faraón guerrero Tutmosis III, la estatua del funcionario Sennefer, varias losetas del palacio de Ramsés III, la estatua del faraón Senuseret III o una figura del dios halcón Ra-Horakhty protegiendo a Ramsés II. con todo ello no sólo se pretende hablar de los faraones sino también mostrar la realidad de la vida en el Valle del Nilo. Será hasta el 20 de enero, fecha en la que el evento viajará a otras localidades españolas.

Faraón. Rey de Egipto abre a diario de 10:00 a 20:00 (aunque los días 24 y 31 de diciembre más el 5 de enero lo hará hasta las 18:00, cerrando los festivos navideños). La entrada cuesta 4 euros pero los clientes de CaixaFórum entran gratis. Eso sí, quien viva fuera deberá reservar antes un vuelo a Madrid.

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De Van Gogh a Picasso en el Guggenheim bilbaíno

martes, 16 de octubre de 2018 Comments off

Si se pide citar pintores contemporáneos es muy probable que haya dos que se repitan con insistencia: Van Gogh y Picasso. Ambos son los que marcan el inicio y el final, cronológicamente hablando, a la exposición del Museo Guggenheim que lleva sus nombres y fue inaugurada en Bilbao el pasado 21 de septiembre: De Van Gogh a Picasso. El legado Tannhauser.

El tercer nombre de ese título corresponde a Justin K. Tannhauser, un marchante de arte moderno que tras jubilarse legó su colección particular a la Solomon R. Guggenheim Foundation neoyorquina, algo que su viuda amplió luego con otras obras. Dicha colección, integrada ya en los fondos del Guggenheim constituye una panorámica del arte de vanguardia de Francia entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX, período que marcan los dos pintores reseñados antes.

Y, entre medias, genios del calibre de Paul Cézanne, Edgar Degas o Édouard Manet, entre otros, caracterizados por su deseo de romper con los esquemas académicos y sus aportaciones a una nueva visión estilística y temática. Un testigo que recogieron los integrantes de la siguiente generación de maestros, como Georges Braque o Pablo Picasso, que aportaron sus propia visión para renovar la renovación, valga el juego de palabras.

Ahora es la primera vez que el Guggenheim exhibe la Colección Tannhauser fuera de Nueva York y ha elegido su centro bilbaíno para ello, en una muestra que está dirigida por Megan Fontanella, curadora de Arte Moderno y Procedencia del Solomon R. Guggenheim Museum. Hay un total de medio centenar de obras de los autores citados más otros igual de célebres como Monet, Renoir, Rousseau, Gauguin (en la imagen su Haere Mai)…

Otra excusa más para buscar un vuelo a Bilbao y acercarse a su mueso-icono. Hay tiempo hasta el 24 de marzo de 2019.

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Las etapas azul y rosa de Picasso en el parisino Museo de Orsay

viernes, 21 de septiembre de 2018 Comments off

Desde el pasado 18 de septiembre todos los viajeros amantes del arte tienen una excusa para buscar un vuelo a París y acercarse al espléndido Museo de Orsay porque desde ese día hasta el 6 de enero de 2019 podrán disfrutar de uno de los artistas más grandes, y mediáticos de la Historia en la exposición que lleva por título Picasso. Azul y rosa.

Como sabrán los aficionados, azul y rosa son los colores que dan nombre a sendas etapas por las que el pintor malagueño pasó antes de abrazar el cubismo. Con diecinueve años ya había orientado su vida a los pinceles pero aún combinaba su vanguardismo vocacional con cierto academicismo para contentar a su padre, que quería que fuera funcionario. Eso fue lo que le llevó a visitar París en 1903 como representante español en la Exposición Universal.

Desde entonces vivió un tiempo a caballo entre la capital francesa y España mientras su estilo iba evolucionando, pasando por el prefauvismo y el posimpresionismo para después abrir el período azul y más tarde el rosa. Esas dos últimas etapas son las que ahora muestra el Museo de Orsay en colaboración con el Museo Nacional Picasso francés, ofreciendo al visitante un importante conjunto de pinturas y dibujos: cerca de 300 obras.

Todas ellas realizadas por Picasso antes de cumplir 25 años entre 1900 y 1906, siendo seleccionadas por Claire Bernardi, curadora, museo de Orsay, Stéphanie Molins, gerente de proyecto del presidente en el Museo Nacional Picasso-París y Emilia Philippot, curadora de esta última institución. No faltan piezas maestras como La vida o La habitación azul y otras menos conocidas como La acróbata de la bola, que sin embargo es importante porque muestra la transición del azul al rosa.

Esos cuadros no proceden sólo de los dos museos galos sino también de préstamos de colecciones públicas y privadas destacadas como el Museo Picasso de Barcelona, la National Gallery de Washington, la Tate Modern londinense, el Museo de Arte de Cleveland, el Museo Pushkin moscovita o la Colección Rockefeller.

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El arte de Disney en CaixaFórum-Madrid

martes, 11 de septiembre de 2018 Comments off

Salvando las distancias, el papel que antaño ejercieron como contadores de historias infantiles los hermanos Grimm, Hans Christian Andersen, Perrault o Esopo, por citar sólo a algunos, lo ejerció en el siglo XX Walt Disney -también entre otros-, aunque fuera cambiando el soporte. Su importancia en ese terreno es tal que ha dejado un poderoso legado que décadas después de su muerte continúa proporcionando entretenimiento a nuevas generaciones de niños.

Por eso y porque su relación con el arte va más allá de la literatura, entrando ampliamente en el terreno plástico, es frecuente que museos e instituciones organicen exposiciones sobre su producción. Y precisamente el pasado 19 de julio se inauguró una en España; concretamente en el Caixafórum de Madrid. Se titula Disney. El arte de contar historias y ofrece al visitante materiales originales que explican el paso de argumentos y personajes de la tradición oral a esa nueva forma de expresión artística que es el cine de animación.

Un cine seguido masivamente, hay que decir, pues se cuentan por muchísimos millones sus espectadores. Y es que aquel joven dibujante estadounidense, que no soltaba los lápices ni cuando colaboró con la Cruz Roja durante la Primera Guerra Mundial y dejó sus primeros trabajos en el medio publicitario para adentrarse en la animación en 1920, llamó la atención de Hollywood y su vida dio un giro radical.

Creó el estudio que lleva su nombre, ocho años después incorporó el sonido a sus películas incrementando aún más su éxito y en 1937 se consagró en la historia del cine con el estreno de Blancanieves y los siete enanitos, el primer largometraje de animación de la historia y pionero también de una larga serie de clásicos realizados cíclicamente adaptando cuentos de toda la vida. A lo largo de las décadas, cada generación ha tenido títulos con los que disfrutar; tantos que resultan casi innumerables: Pinocho, La bella durmiente, El libro de la selva, 101 dálmatas, La sirenita, El rey león

La exposición de CaixaFórum está compuesta por una colección de dibujos diversos (acuarelas, bocetos, impresiones digitales…) que muestran la trayectoria creativa de los estudios Disney, pero también hay otras piezas como storyboards, bosquejos de personajes, notas de producción y materiales que, en suma, permiten entender el proceso de adaptación de esas historias clásicas a la gran pantalla en versión animada.

La entrada cuesta sólo 4 euros, así que es cuestión de buscar algún vuelo a Madrid y acercarse a la sede de la Obra Social de La Caixa, situada en el antiguo edificio industrial de la Central Eléctrica del Mediodía. El plazo es hasta el 4 de noviembre.

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50 años de Madelman en el Museo Nacional de Antropología

lunes, 13 de agosto de 2018 Comments off

Si alguien visita la sala de exposiciones y el salón central del Museo Nacional de Antropología de Madrid este verano se va a encontrar una sorpresa tan desconcertante como, probablemente, agradable. O, al menos, le hará esbozar una sonrisa entre divertida y cómplice, especialmente si el visitante tiene ya una edad. Y es que el lugar estará lleno de unos pequeños muñecos ataviados con uniformes y trajes de profesiones de acción que marcaron a toda una generación, la del babyboom.

El título del evento es Aún lo pueden todo. 50 años de Madelman. Una mirada antropológica a la colección de José Manuel Cortés y, como se indica, el centro de atracción de este mítico juguete es una colección privada cuyo propietario ha cedido al museo para que los nostálgicos y las nuevas generaciones evoquen otros tiempos; aquellos en los que la empresa española Industrias Plásticas Madel, perteneciente a Exin (que también está en la memoria de mucha gente por otros éxitos de ventas como Exin Castillos o CinExin), se lanzó a competir con los G.I. Joe estadounidenses junto a los Geyperman.

Muchos niños preferían a estos últimos porque eran más grandes y tenían un pelo realista pero nunca alcanzaron la dimensión legendaria de los Madelman, al menos a largo plazo, quizá porque Geyperman salió más tarde al mercado: en 1975, frente al otro, que lo hizo en 1968. Por cierto, Madelman siguió fabricándose hasta 198 y, en cualquier caso, fue el sueño de la infancia setentera, que al ritmo del famoso eslógan “Lo pueden todo” empleó muchas horas en entretenerse con marines, astronautas, buzos, exploradores, montañeros…

Todos ellos están representados en la citada colección privada de José Manuel Cortés, un entusiasta de ese juguete. Pero, además, la exposición -que es la más completa que se ha hecho sobre el tema-, echa un vistazo al mundo de Madelman en múltiples facetas, desde la de su producción a su repercusión en la vida cotidiana, ya fuera la individual, la familiar o incluso la social, pasando por sus estereotipos, la ausencia de muñecos femeninos, etc.

Este año 2018 era el indicado para Aún lo pueden todo. 50 años de Madelman. Una mirada antropológica a la colección de José Manuel Cortés porque se cumple medio siglo de su lanzamiento. Y como el evento va a estar abierto hasta el 14 de octubre, hay tiempo para plantearse una visita, buscando algún vuelo a Madrid y acercándose hasta la sede del Museo Nacional de Antropología (calle Alfonso XII, 68). La entrada es gratuita.

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Visitando la exposición de Gustave Doré en el Museo Carmen Thyssen malagueño

sábado, 30 de junio de 2018 Comments off

Aún hay tiempo para reservar un vuelo a Málaga y plantarse en la ciudad andaluza para disfrutar no sólo de sus monumentos, su clima y su gastronomía, sino también de algún que otro evento local capaz de atraer la atención del visitante. Nos referimos, concretamente, a la exposición que ofrece el Museo Carmen Thyssen desde el pasado 6 de abril: Gustave Doré, viajero por Andalucía.

Seguramente a más de uno le sonará el nombre de Doré. Fue el artista francés que realizó una serie de grabados para ilustrar una edición en su país del Quijote. Su éxito hizo que la iconografía del hidalgo castellano plasmada por él pasara a la Historia, caracterizando para siempre las representaciones de ese personaje.

Pues bien, esa obra la hizo en la década de los sesenta del siglo XIX, tras un viaje por España en compañía del hispanista Jean-Charles Davillier, plasmando ambos sus impresiones, uno en imágenes y otro en escritos. La revista Le Tour du Monde las fue publicando entre 1862 y 1873, recopilándes finalmente en 1874 en un libro titulado L’Espagne con el que pretendían cambiar la visión tópica que había sobre nuestro país ofreciendo una más real.

La exposición de Málaga reúne las xilografías de Doré para esa obra. Son cuarenta estampas cedidas por la Universidad de Cantabria en las que se representan paisajes y escenas cotidianas españolas con tipos populares, tradiciones, monumentos y similares. Y así, ante el espectador van desfilando gitanos y contrabandistas, fiestas y procesiones, catedrales, palacios y ciudades…

El material expositivo se completa con fotografías de la época, que muy bien pudieron servirle al autor de inspiración, y material documental de la colección Fernández Rivero. Gustave Doré está comisariada por Lourdes Moreno y abre todos los días excepto los lunes entre las 10:00 y las 20:00 pero son sus dos últimas semanas abierta al público, ya que finalizará el próximo 15 de julio.

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El cómic estadounidense y español en el MuVIM

viernes, 18 de mayo de 2018 Comments off

Valencia es una de las capitales del cómic en España, siendo varias la librerías donde los aficionados pueden completar o ampliar sus colecciones. Pero además lleva unos meses prestándole una atención especial al arte secuencia a través de dos exposiciones organizadas por el MuVIM (Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad) que se reúnen bajo el título común Cómic ON. Una se centra en el auge del cómic norteamericano y otra en su influencia en el cómic de España.

La primera, visitable en la Sala Alfons Roig, es El estallido de los clásicos y muestra el impacto que tuvieron aquellos personajes creados en la primera mitad del siglo XX y difundidos sobre todo por la prensa norteamericana en los años treinta. Son nombres que resultan muy familiares, como Flash Gordon, el Príncipe Valiente, Tarzán o Buck Rogers, entre otros, que cogieron el testigo de los primigenios Yellow Kid o Little Nemo.

De aquellas primeras viñetas dibujadas por gente como Windsor McKay se pasó a otras más avanzadas a cargo de maestros inmortales ya como Alex Raymond, Matt Clark, Harold Foster o John Collen Murphy, cuyo influjo se reflejó incluso en la pintura de artistas como Roy Lichtesntein, Tom Wesselmann o Andy Warhol. También en el cine y televisión, pues casi todos conocieron adaptaciones de sus obras.

El cómic estadounidense influyó, asimismo, en el resto del mundo y España no escapó a esa circunstancia. Dibujantes como Manuel Gago (autor de El Guerrero del Antifaz), Eugenio Giner (Inspector Dan) o José Sanchís (Pumby) le deben mucho y la aparición de revistas temáticas permitió a más de una generación soñar en forma de lectura con Roberto Alcázar y Pedrín, Cuto, Blanquita, etc. Es lo que muestra la segunda exposición, titulada El inicio del cómic en la Península y que se puede ver en el vestíbulo del museo.

Eduardo Vañó, Víctor Mora o Ambrós son otros nombres que añadir a los antes citados y que confirieron al cómic español una personalidad propia, deudora de la norteamericana pero con características y temas nacionales, haciendo que sus personajes fueran tan conocidos o más que las estrellas de Hollywood.

Ambas muestras son de entraga libre y gratuita de martes a sábados en horario de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 20:00 (domingos y festivos de 10:00 a 20:00). Ahora bien, El inicio del cómic en la Península permanecerá abierta hasta el 3 de junio mientras que el estallido de los clásicos finalizará un poco antes, el 27 de mayo. Así que quien quiera visitar las dos deberá buscar ya un vuelo a Valencia.

Rembrandt y Goya en el Museo de Bellas Artes de Bilbao

martes, 8 de mayo de 2018 Comments off

No cabe duda de que el museo más mediático de Bilbao es el Guggenheim, cuyo edificio ya es un atractivo en sí mismo. Pero hay otro que resulta igualmente interesante para los amantes del arte o incluso más, ya que no tiene las limitaciones cronológicas del anterior; se trata del de Bellas Artes, ubicado en la plaza homónima, en pleno centro urbano, y que reúne una colección de más de diez mil obras.

Por supuesto, esta institución también organiza exposiciones temporales y actualmente tiene abiertas dos dedicadas a maestros de época como Rembrandt y Goya. La primera, en realidad, es la exhibición de una única pieza del pintor holandés cedida hasta el 6 de junio por la Dulwich Picture Gallery de Londres: es su célebre Muchacha en la ventana, uno de sus lienzos más populares, recientemente restaurado y realizado con esa curiosa técnica que es el trampantojo, muy frecuente en la producción del taller de Rembrandt desde 1640.

El trampantojo se basa en la creación de una ilusión óptica, de manera que el espectador tiene la sensación, como en este caso de ver a una joven asomada a una ventana. De hecho,unla improbable leyenda cuenta que el propietario del cuadro lo puso en su ventana y la gente pensaba que era una persona real. El artista lo pintó a la edad de 36 años y se ignora a quién pretendía representar, si una cortesana, una novia judía, un personaje bíblico o, más probablemente, una sirvienta.

La otra exposición se titula Goya y la corte ilustrada, organizada en colaboración con el Museo Nacional del Prado y la Fundación Bancaria la Caixa. Las comisarias, Manuela B. Mena y Gudrun Maurer, jefa de Conservación y conservadora, respectivamente, del Área de Pintura del siglo XVIII y Goya del Museo Nacional del Prado, han reunido 96 obras procedentes en su mayoría de la pinacoteca madrileña pero también de otros centros como el Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico, el Museo de Zaragoza, la Fundación Colección Ibercaja, la Sociedad Económica Aragonesa de Amigos del País y varias colecciones privadas.

52 son óleos y el resto piezas de artes decorativas y documentación, aunque no todas las pinturas son del artista aragonés; las hay de contemporáneos suyos dieciochescos como Luis Paret, Mariano Maella, José del Castillo, Luis Meléndez, Antonio Carnicero o Lorenzo Tiepolo, sirviendo así para contextualizar el conjunto. Hay algunas inéditas, caso del retrato de Martín Zapater y otras novedades como la recién adquirida por el Bellas Artes Vista de Bermeo, de Luis Paret.

Si hay tiempo hasta junio para ver el cuadro de Rembrandt, para Goya y la corte ilustrada se van agitando los días, que terminan el 28 de este mes de mayo. Así que hay que ir buscando ya algún vuelo a Bilbao.

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Dos exposiciones de pintura del siglo XVI en El Prado para este verano

lunes, 30 de abril de 2018 Comments off

Todos los amantes de la pintura del siglo XVI tienen una cita en Madrid esta primavera-verano. El Museo del Prado ofrece no una sino dos exposiciones sobre esa época que prometen satisfacer a cualquier visitante, sea éste aficionado al arte o no especialmente. Ambas se inauguraron este mes de abril que termina ahora y se van a mantener abiertas hasta el 5 de agosto.

La primera se titula Rubens. Pintor de bocetos y se ha organizado junto con el Museo Boijmans Van Beuningen, con patrocinio de la Fundación AXA y la colaboración del Gobierno de Flandes. El maestro holandés realizó aproximadamente medio millar de bocetos a lo largo de su carrera y 73 de ellos han sido reunidos para la ocasión por los comisarios de la muestra: Friso Lammertse, conservador de pintura antigua del Boijmans Van Beuningen Museum, y Alejandro Vergara, jefe de conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo del Prado.

Los bocetos expuestos proceden de las colecciones del Prado y el Bojimans pero también de otras importantes instituciones mundiales, caso del Louvre parisino, el Hermitage ruso, la National Gallery británica o el Metropolitan de Nueva York, completándose con otras obras del propio Rubens que sirven para contextualizar el conjunto y dejan en 93 piezas el total. Con ellos podemos ver cómo fue la preparación de cuadros como el Hércules Farnesio, la series de Aquiles y la Eucaristía o las pinturas del techo de la iglesia de los jesuitas de Amberes. También se puede contemplar el Manuscrito Bordes, copia de un cuaderno perdido que había escrito y dibujado el artista.

La otra exposición es In lapide depictum. Pintura italiana sobre piedra 1530-1555, una selección de 9 obras que tiene como insólita característica el estar realizadas no sobre lienzo o tabla sino sobre piedra monocroma (pizarra y mármol blanco) por autores como Sebastiano del Piombo, Tiziano, Daniele da Volterra y Leandro Bassano. Tres de ellas, por cierto, han sido restauradas recientemente.

Ana González Mozo, Técnico Superior de Museos del Área de Restauración del Museo del Prado y comisaria de la muestra, ha elegido piezas de la colección madrileña más otras dos procedentes de Nápoles. Tienen un interés especial porque son un reflejo de la búsqueda de nuevos conceptos estéticos y hasta filosóficos, desde el intento de captar la incidencia de la luz en ese tipo de superficie a la forma de percibir el entorno natural según los textos clásicos, pasando por el deseo de la perdurabilidad.

Por tanto, dos eventos en un mismo sitio y ambos con elementos suficientes para subyugar al espectador. Es hora de ir buscando algún vuelo a Madrid para los próximos tres meses.

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