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El Prado presenta la pintura hispano-flamenca de Bartolomé Bermejo

martes, 8 de enero de 2019 Comments off

La colaboración entre el Museo del Prado y el Museu Nacional d’Art de Catalunya permite al espectador la admiración del virtuosismo técnico y el sugestivo mundo visual de un artista medieval no muy conocido, el cordobés Bartolomé Bermejo, que a pesar de ser andaluz desarrolló la mayor parte de su vida profesional en territorio de la Corona de Aragón.

Buen representante del estilo hispano-flamenco que caracteriza una etapa del gótico español, apenas hay datos sobre él salvo su fecha y lugar de nacimiento o que Bermejo se trataba en realidad de un apodo (alusivo probablemente a su calidad de pelirrojo), ya que su apellido auténtico era Cárdenas. Por los rasgos de su pintura se supone que debió estudiar en Flandes o, al menos, conocía bien el arte de esa zona de Europa que él tan bien imitó.

Es posible que fuera judeoconverso, de ahí que en su escueta biografía le encontremos en muchos sitios diferentes. Quizá pasó por Valencia, donde pintó el San Miguel de la iglesia de Tous (hoye en la National Gallery londinense) y luego llegó a Aragón, donde colaboró con maestros como Martín Bernat y Miguel Ximénez restaurando el retablo mayor de la Seo de Zaragoza, además de ocuparse del retablo mayor de la iglesia parroquial de Santo Domingo de Silos.

Daroca, Zaragoza, Barcelona… En esta última urbe firmó el retablo de la Piedad y desde ella se desplazó a Vich para hacer la Santa Faz de su catedral, que es la última obra suya de la que hay constancia documental, aunque parece que siguió trabajando un tiempo en vidrieras, acaso por necesidad económica. La muerte le llegó en la ciudad condal en 1501.

Siendo como fue uno de los artistas más relevantes del siglo XV, es manifiesto el interés que podría despertar para una exposición, por eso la gran pinacoteca de Madrid ha organizado la que titula sencillamente Bartolomé Bermejo. Su comisario es Joan Molina, profesor de la Universidad de Gerona, que ha reunido para la ocasión la mayor parte de las obras conservadas de Bermejo, 48 piezas, tanto en España como en museos de Europa y EEUU. Entre ellas figuran San Miguel triunfante sobre el demonio con Antoni Joan de Tou o la Piedad Desplá.

La muestra se inauguró el pasado 9 de octubre y permanecerá abierta hasta el 27 de enero, por lo que quedan las últimas semanas para reservar algún vuelo a Madrid y verla en la Sala C del edificio Jerónimos. Después viajará al Museu Nacional d’Art de Catalunya.

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El diálogo entre arqueología y cómic en una exposición del Louvre

miércoles, 26 de diciembre de 2018 Comments off

El Museo del Louvre siempre es una visita de referencia cuando se busca un vuelo a París. Su fabulosa colección permanente garantiza al menos una jornada de dedicación pero es que, además, esa institución suele ofrecer muestras temporales de gran interés y, a veces, bajo un prisma realmente insólito. Es lo que pasa actualmente con una titulada L’Archéologie en bulles (Arqueología en burbujas).

Inaugurada el pasado 26 de septiembre, el término burbujas no se refiere a lo que parece en primera instancia sino a lo que en el mundo del cómic español se llama bocadillos, es decir, los espacios donde se sitúan los diálogos de los personajes. Porque lo que pretende el evento es echar un vistazo a la relación entre arqueología y las diferentes artes, tocándole en este año 2018 al de las viñetas. Es algo que lleva haciendo un tiempo en la Petite Galerie del ala Richelieu del edificio.

Lo que en Francia se conoce como noveno arte se mezcla así con la arqueología en una peculiar combinación de realidad y ficción a través de un centenar de obras y una serie de páginas de algunos de los dibujantes de cómic más importantes del género, como Enki Bilal, Jul o Nicolas de Crécy. Todo ello distribuido por cuatro salas temáticas: Artistas y arqueólogos; Tesoros arqueológicos; Clasificación y comprensión; e Interpretar e imaginar-Creatividad de cómic.

Los comisarios de L’Archéologie en bulles son Jean-Luc Martinez (presidente-director del Museo del Louvre) y Fabrice Douar (manager editorial del Departamento de Programación Cultural e Interpretación), con Florence Dinet, también del museo, como manager del proyecto. Los interesados podrán visitar la exposición todos los días de 9:00 a 18:00 excepto los jueves por una entrada de 15 euros (que permite acceso también a la colección permanente y otras exhibiciones temporales), aunque el primer sábado de cada mes hay entrada libre.

Esta curiosa forma de complementar la visita a París permanecerá abierta hasta el 1 de julio de 2019, por lo que hay tiempo de sobra aún para programar el viaje.

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Gran exposición antológica sobre Murillo en el Museo de Bellas Artes sevillano

martes, 18 de diciembre de 2018 Comments off

Este año 2018 se ha estado celebrando el cuarto centenario del nacimiento de uno de los artistas más importantes de la Historia, Bartolomé Esteban Murillo. A punto de concluir la efeméride, aún hay tiempo para buscar algún vuelo a Sevilla y visitar en el Museo de Bellas artes local uno de los eventos que recuerdan la figura de ese personaje, al fin y al cabo hijo preclaro de la ciudad.

Se trata de la exposición que lleva por título IV Centenario Nacimiento de Murillo y constituye la primera gran antología de obras del pintor sevillano: nada menos que cincuenta y cinco cuadros que proceden de los fondos del museo pero también de una treintena de instituciones internacionales, tanto públicas como privadas, entre las que se encuentran el Museo de la Real Academia San Fernando,el Museo del Prado, el Louvre, la National Gallery, el MET y otras muchas.

Esas pinturas, de las que veinticinco pertenecen al Bellas Artes hispalense, se agrupan en nueve secciones temáticas: Santa infancia, Gloria en la tierra, Compasión, etc. Algunas obras han sido restauradas para la ocasión y el conjunto se encontrará en la Sala de Exposiciones Temporales y en la Sala V, siendo los comisarios de la muestra María del Valme Muñoz Rubio, directora del Museo, e Ignacio Cano Rivero, conservador del Museo y jefe del Departamento de Difusión.

El evento se completa con un recorrido por sitios de Sevilla donde también hay piezas de Murillo, todos en el centro urbano y cerca del museo; es el caso de la Catedral (Sala capitular, Capilla de san Antonio y sacristía), el Hospital de Venerables Sacerdotes y las iglesias del Hospital de la Caridad y de Santa María La Blanca.

Inaugurada el pasado 18 de noviembre, la muestra permanecerá abierta hasta el 17 de marzo de 2019 y el aficionado podrá ver algunos cuadros famosos como La Natividad, el Ecce Homo, el Retrato de Íñigo de Melchor Fernandez de Velasco, el Niño riendo o Las bodas de Canaán, aparte de algunas de sus emblemáticas Inmaculadas.

Imagen: Autorretrato de Murillo – dominio público en Wikimedia Commons,

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Exposición y venta del arte del dibujante de cómics Milo Manara

martes, 4 de diciembre de 2018 Comments off

Podrá gustar más o menos pero no hay aficionado al cómic que no sepa quién es Milo Manara. Se trata de uno de los dibujantes más destacados del llamado arte secuencial, un maestro ya veterano que, curiosamente, descubrió su vocación un poco por casualidad, ya que al principio se dedicaba a la pintura y sólo cambió cuando trabajaba para el escultor español Miguel Ortiz Berrocal, en cuya biblioteca descubrió el mundo de las viñetas.

Influido claramente por otros clásicos (el francés Moebius, el también italiano Hugo Pratt…) publicó su primer trabajo en 1968. Ya entonces mostró inclinación por el erotismo, su género favorito y que impregna incluso otras obras distintas que también firmó. Algunas se consideran ya clásicas, como El Rey Mono, Las aventuras de Giuseppe Bergman (la primera en solitario), El clic o El perfume del invisible, por citar aquellas de predominio del sexo; Verano indio o El gaucho, entre las historicistas.

En estas últimas colaboró con su admirado Pratt, igual que en Viaje a Tulum adaptaba un guión inédito del cineasta Federico Fellini. Después siguió trabajando a destajo, con nuevos títulos que han ido engordando su producción: Gulliveriana, Revolución, La metamorfosis, Kamasutra, Los Borgia, Caravaggio… Incluso ha hecho una incursión en el mundo de los superhéroes: X-Men: Ragazze in fuga (con guión del prestigioso Chris Claremont).

Así que, volviendo a los aficionados, desde el pasado 16 de noviembre tienen la ocasión de ver de cerca, en Madrid, el arte de Manara en una exposición titulada L’essenziale. Milo Manara, que se puede ver en la galería El arte del cómic; la organiza en colaboración con la belga Huberty & Breyne Gallery y muestra, entre otras cosas, las portadas de obras como Miele o las mencionadas Viaje a Tulum y Los Borgia, además de ilustraciones para la serie Zodiaco y bocetos preparatorios.

Por otra parte, habitualmente la galería ofrece la posibilidad de comprar originales y, de hecho, todas las piezas expuestas están a la venta. Una oportunidad única de hacerse con una obra de un arte, peculiar si se quiere -y popular-, pero que ya se ha hecho un hueco en los estudios de su historia y ha dejado atrás el cierto menosprecio que recibía antaño.

Eso sí, quien viaje de fuera deberá buscar un vuelo a Madrid, pues El arte del cómic tiene su dirección en el número 10 de la calle Acuerdo de la capital. Abre jueves y viernes de 12:00 a 13:45 y de 18:00 a 20:15, más los sábados de 12:00 a 14:00 y de 18:00 a 20:15, y cobra una entrada de 4 euros.

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Exposición sobre el imperio asirio de Asurbanipal en el British Museum

viernes, 30 de noviembre de 2018 Comments off

Cualquiera que haya usado alguno de los muchos vuelos a Londres disponibles desde múltiples aeropuertos españoles habrá visitado, casi con total seguridad, el British Museum. Es uno de los grandes atractivos de la capital británica y uno de los museos más importantes del mundo. Parte de su interés radica en que posee una colección muy variada, capaz de atraer a un público variopinto, y entre sus fondos figura con especial fulgor el arte mesopotámico.

Por eso no extraña que, el pasado 8 de noviembre, esa institución inaugurase una exposición dedicada a la civilización asiria. Lleva por título el expresivo I am Ashurbanipal king of the world, king of Assyria, es decir, Yo soy Asurbanipal, rey del mundo, rey de Asiria, pues ese personaje constituye el eje vertebrador de la muestra al haber sido en su momento el hombre más poderoso de la Tierra. De hecho, esas palabras que nominan el evento no son inventadas sino suyas realmente.

Asurbanipal reinó entre los años 669 y 631 a.C. Tenía su capital en Nínive (actual Irak) y con él llegó el máximo esplendor del Imperio Asirio, que se extendía desde el Mediterráneo oriental hasta las montañas del oeste de Irán. Además de sus campañas de conquista y pacificación, rematadas con un trato brutal a los enemigos derrotados, el monarca desarrolló una intensa actividad diplomática y cultural (creó la primera gran biblioteca de la Historia) que no tuvo continuación a su muerte, por lo que el imperio no tardó en desmoronarse y Nínive quedó reducida a ruinas en el 612 a.C.

El rastro del personaje se perdió en la Historia hasta el descubrimiento arqueológico de la ciudad a mediados del siglo XIX, lo que permitió reconstruir su vida y entorno. La exhibición de Londres nos permite acercarnos a él a través de una serie de piezas procedentes de los fondos del museo pero también de préstamos (Louvre, Hermitage, Vaticano, Vorderasiatisches)y que nos abren una ventana a aquel rincón de la Antigüedad: palacios, esculturas, muebles suntuosos, jardines exóticos, preciosas joyas, impresionantes relieves sobre la caza del león…

Una oportunidad para echar un vistazo a ese período tan fascinante, tan lejano y a la vez tan familiar, para lo cual hay tiempo hasta el 24 de febrero de 2019.

Curiosa instalación videográfica sobre las Fallas en el IVAM

martes, 27 de noviembre de 2018 Comments off

Con un título tan curioso como El peso de las cenizas. Anna Malagrida, el IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) ofrece lo que define como “un proyecto site specific” de la artista barcelonesa homónima, con un tema inaudito: las cenizas generadas durante la cremá de las Fallas de Valencia (o sea, durante la quema).

Se trata de un proyecto videográfico que intenta reflexionar, abriendo nuevas líneas para ello, sobre cuestiones diversas derivadas de esa fiesta como la transformación de la materia, la entropía, la memoria y la identidad cultural. Anna Malagrida se plantea si la elevada entropía en un proceso de transformación de la materia una imagen premonitoria podría considerarse una alegoría del colapso o de una agonía de nuestro mundo.

Y surgen entonces preguntas complementarias: ¿Cuánta energía se desprende de las fallas? ¿Cuánto pesan sus cenizas? Todas estas reflexiones, nacidas a raíz de la observación de la cremá, se plasman en una decena de vídeos que, unidos, forman una gran instalación videográfica concebida específicamente para la Galería 6 del IVAM y que se inauguró el pasado 28 de octubre.

La transformación física de los bloques de poliestireno que sirven para fabricar las esculturas y si conversión en cenizas, la posterior gestión de los residuos, la belleza de la fiesta o la cohesión social que facilita son otros aspectos del trabajo de Anna Malagrida, que alcanza luego un nivel más abstracto al plantear cuánto pesan la belleza del fuego o los recuerdos, tomando como referencia el concepto de infraleve (medición de lo inmaterial) formulado por Marcel Duchamp.

El peso de las cenizas. Anna Malagrida, que lleva como subtítulo Manifestaciones de la energía y transformación de la materia, se podrá visitar hasta el 24 de febrero de 2019. Si se viaja de fuera, por supuesto, habrá que buscar antes un vuelo a Valencia.

Retrospectiva de Giacometti en el Guggenheim bilbaíno

sábado, 24 de noviembre de 2018 Comments off

Una vez más, hay que buscar algún vuelo a Bilbao y acercarse hasta el emblemático Museo Guggenheim porque el pasado 19 de octubre inauguró una exposición dedicada a uno de los artistas contemporáneos más destacados: Alberto Giacometti. Se trata de una retrospectiva que reúne más de doscientas piezas entre esculturas, dibujos y pinturas, mostrando el desarrollo creativo que el suizo experimentó a lo largo de cuarenta años de trayectoria profesional.

El título del evento es simple: Giacometti. Retrospectiva. No necesita mucho más porque fue uno de los maestros indiscutibles e influyentes del siglo XX. Nacido en Burgonovo en 1901, creció en un ambiente artístico porque su padre fue pintor impresionista y su padrino fauvista. Él estudio en la Escuela de Bellas Artes de Ginebra y luego en la Académie de la Grande Chaumière de París, empezando por el cubismo para luego deslizarse hacia el surrealismo.

Vivió en Montparnasse rodeado de los colegas de la época y decantándose por la escultura, a la que confirió un estilo muy característico, con figuras muy alargadas, ya que hacia 1935 volvió a cambiar, inclinándose por la figuración hasta el final de su vida. Se casó tras la Segunda Guerra Mundial y empezó la etapa más productiva, con exposiciones mundiales, encargos, premios y el aplauso de la crítica. Defensor de la que sólo la reducción agudiza la mirada, fue él mismo quien acuñó la frase que sintetiza su forma de entender el arte: “Ver, comprender el mundo, sentirlo intensamente y ampliar al máximo nuestra capacidad de exploración”.

Esta muestra ofrece una perspectiva de su obra bastante singular, pues concede relieve especial a la colección de arte -incluido material de archivo- que posee la Fundación Giacometti de París, reunida por su viuda, Annette. También se ofrece la posibilidad de contemplar juntas las ocho esculturas de yeso que hizo para la Bienal de Venecia de 1956 con el título Femmes de Venise (Mujeres de Venecia).

Todo ello comisariado por Catherine Grenier, de la Fondation Giacometti de París, y Petra Joos, del Museo Guggenheim Bilbao (comisaria adjunta: Mathilde Lecuyer-Maillé). Será en la sede del Guggenheim de Bilbao hasta el próximo 24 de febrero de 2019.

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El Museo del Prado celebra su segundo centenario con una exposición sobre el tema

martes, 20 de noviembre de 2018 Comments off

Suena casi a tópica pero la realidad es que si se reserva un vuelo a Madrid con la idea de conocer lo más interesante de la capital resulta inevitable reservar un hueco para acercarse el Museo del Prado. No supone un esfuerzo; al contrario, una vez dentro el visitante que nunca haya estado se llevará a una sorpresa y el que ya lo conozca seguirá descubriendo rincones y novedades que, tanto en un caso como en otro, garantizan salir de esa experiencia con plena satisfacción.

Y ahora con más razón todavía, porque la que está considerada pinacoteca más importante del mundo celebra su segundo centenario y lo hace con una exposición especial titulada Museo del Prado 1819-2019. Un lugar de memoria. Está comisariada por por Javier Portús, Jefe de Conservación de Pintura Española (hasta 1700) de la institución, y supone un viaje por el devenir del museo a través de ocho etapas y ciento sesenta y ocho obras escogidas, de las que ciento treinta y cuatro corresponden a colecciones propias y el resto a préstamos de museos de todo el mundo.

Esas etapas son: 1819-1833-El Museo Real, 1833-1868-El Museo de la Trinidad. El descubrimiento europeo del arte español, 1868-1898-La nacionalización del Prado. Una meca para los pintores, 1898-1931-Una Edad de Plata. Progresos científicos. La creación del Patronato, Donaciones y legados, 1931-1939-En el camino. República y Guerra Civil, 1939-1975-El franquismo y 1975-2019-Una historia compartida.

Como se puede apreciar, un recorrido cronológico que empieza el 19 de noviembre de 1819 al inaugurarse el Museo Real con fondos procedentes de las colecciones reales. El rey Fernando VII tomó la decisión a instancias de su esposa, María Isabel de Braganza, siguiendo la estela de otros sitios como Francia con el Louvre, Inglaterra con la National Gallery o Berlín con la Pinacoteca. Madrid se unió así a ese grupo de ciudades que no sólo inventariaban su patrimonio artístico sino que lo mostraban a sus ciudadanos.

De paso, la creación del Museo del Prado sirvió para reivindicar la pintura española, que estaba absurdamente olvidada en el plano internacional; por eso inicialmente sólo se hacían adquisiciones de artistas nacionales. Los aficionados actuales no tienen ese desconocimiento y por eso se prevén muchas visitas desde aquí hasta la fecha de finalización del evento, que será el 10 de marzo de 2019.

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Exposición sobre Stanley Kubrick en el CCCB de Barcelona

lunes, 29 de octubre de 2018 Comments off

A veces los árboles no dejan ver el bosque. Quienes reserven un vuelo a Barcelona seguro que llevan en mente visitar esa pléyade de atractivos que incluye desde los edificios modernistas a algunos de los museos más frecuentados de España, pasando por rincones naturales del entorno, pueblos pintorescos y mil cosas más. Y eso hace que pasen desapercibidos otros sitios que pueden resultar igualmente interesantes. Uno de ellos podría ser, por ejemplo, el CCCB (Centre de Cultura Contemporánia de Barcelona).

No vamos a hablar aquí de esa institución en general sino de uno de los eventos que inauguró el pasado 24 de octubre, una apasionante exposición que lleva por título un sencillo nombre propio: Stanley Kubrick. Cualquier cinéfilo -en realidad ni siquiera hace falta serlo- lo reconocer; se trata de uno de los grandes cineastas de la historia del séptimo arte y cuya trayectoria profesional es analizada por en esta muestra del CCCB.

Sus primeros años de aprendizaje como fotógrafo de la revista Look, su pequeña -pero enorme a un tiempo- cantidad de largometrajes, los proyectos que nunca llegaron a ver la luz o que acabaron en manos de otros directores… Todo ello a través de más de seiscientos ítems que incluyen cuarenta audiovisuales, documentos diversos, guiones, vestuario, cámaras, maquetas, storyboards, fotos y similares procedentes de su labor profesional, de sus películas.

Ahí están piezas emblemáticas como el disfraz de homínido de 2001, una odisea del espacio, el casco con el eslógan Born to kill que llevaba el protagonista de La chaqueta metálica, el hacha que manejaba Jack Nicholson en El resplandor, el objetivo Zeiss de alta velocidad (hasta entonces usado sólo por la NASA ) empleado para rodar con luz natural en Barry Lyndon, las enigmáticas máscaras que aparecían en la turbadora escena de Eyes wide shut, etc.

Hans-Peter Reichmann y Tim Heptner, del Deutsches Filmmuseum de Frankfurt, son los comisarios de esta exposición que ya ha pasado por otras ciudades del mundo como México DF, Los Ángeles, Seúl o París y que en Barcelona ha contado con la colaboración del crítico Jordi Costa i Vila para su adaptación, incorporando nuevos e inéditos contenidos.

Se podrá visitar hasta el 31 de marzo. La entrada vale 6 euros (4 en tarifa reducida) y por un euro más hay audioguías en catalán, castellano, inglés (los miércoles son gratuitas).

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El mundo de los faraones en el CaixaFórum madrileño

martes, 23 de octubre de 2018 Comments off

El antiguo Egipto siempre ejerce una especial atracción sobre el público. Su arte, su historia, su iconografía en general, resultan fascinantes para casi todos, por eso cada poco suele haber alguna exposición relacionada con aquella milenaria civilización. La más reciente se inauguró el pasado 17 de octubre en Madrid, en la sede de CaixaFórum, y lleva por significativo título Faraón. Rey de Egipto.

Como todo el mundo sabe, faraón es la palabra con que los egipcios denominaban a su rey. Significa Gran Casa y designaba un cargo que regía la vida y la muerte de un país que se desarrollaba a lo largo de las fértiles riberas del Nilo, las cuales se dividían originalmente en dos reinos: el Alto Egipto (interior) y el Bajo Egipto (zona del delta). Una vez unificados, los faraones encarnaban esa unión portando la doble corona que representaba a ambos.

Encargados de proteger su tierra y a sus súbditos, también tenían el deber de garantizar el Maat, es decir, el orden del universo, como dioses vivientes encarnados en este mundo, hijos de Horus. Lo hicieron durante un extenso período que abarca aproximadamente desde el año 3.100 a.C hasta el 30 a.C, cuando los romanos incorporaron Egipto a su imperio. Para entonces ya se habían sucedido dinastías autóctonas y foráneas (hicsas, nubias, griegas)

La muestra de CaixaFórum reúne una selección de 164 piezas procedentes de uno de los muesos de egiptología más interesantes que existen, el British Museum. A través de esos objetos se pretende explorar los ideales, simbolismos e ideología de aquellos gobernantes que han dejado a la posteridad algunos nombres inolvidables, como los que siguen nombrando a las grandes pirámides (Kéops, Kefrén, Micerino, Snefrú, Zoser…) o lo que conocemos por avatares de su vida (Akhenatón, Tutmosis III, Hatshepsut, Ramsés II, Tutankhamón…).

Entre esas obras figuran la tapa del sarcófago de Ramsés VI, una cabeza del faraón guerrero Tutmosis III, la estatua del funcionario Sennefer, varias losetas del palacio de Ramsés III, la estatua del faraón Senuseret III o una figura del dios halcón Ra-Horakhty protegiendo a Ramsés II. con todo ello no sólo se pretende hablar de los faraones sino también mostrar la realidad de la vida en el Valle del Nilo. Será hasta el 20 de enero, fecha en la que el evento viajará a otras localidades españolas.

Faraón. Rey de Egipto abre a diario de 10:00 a 20:00 (aunque los días 24 y 31 de diciembre más el 5 de enero lo hará hasta las 18:00, cerrando los festivos navideños). La entrada cuesta 4 euros pero los clientes de CaixaFórum entran gratis. Eso sí, quien viva fuera deberá reservar antes un vuelo a Madrid.

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