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La corte y los conventos madrileños en una exposición del Palacio Real

lunes, 13 de enero de 2020 Comments off

Una de las recomendaciones que hay que hacer siempre a quien reserve un vuelo a Madrid con la idea de visitar la ciudad en plan turístico, es acercarse el espléndido Palacio Real. Allí, no sólo se empapará de historia y arte viendo los diversos salones y dependencias del edificio sino que tendrá oportunidad de agotar las baterías de su cámara en la imponente plaza de armas. Pero, además, tendrá ocasión de ver alguna de las exposiciones temporales que se organizan en sus instalaciones.

La que se inauguró el pasado 5 de diciembre lleva por título La otra Corte. Mujeres de la Casa de Austria en los Monasterios Reales de las Descalzas y la Encarnación, presentándose como una revisión de «la manera indisoluble en que se unen los aspectos palaciegos y los religiosos, dentro del contexto cortesano internacional que caracteriza a la Casa de Austria y de manera especial, las estrechas relaciones con el Imperio Austríaco, en los siglos XVI y XVII».

Organizada por Patrimonio Nacional y comisariada por Fernando Checa, reúne un centenar de obras que reflejan la vida política, artística y religiosa de esos dos cenobios que tan interesante papel tuvieron en la Edad Moderna española. Son retratos pictóricos de maestros como Antonio Moro, Pantoja de la Cruz, Ribera y Sánchez Coello, así como esculturas en madera policromada de Pedro de Mena o Gregorio Fernández, además de una selección de tapices que incluye la célebre serie de El triunfo de la Eucaristía, de Rubens.

El convento de Las Descalzas Reales fue fundado en el siglo XVI por Juana de Portugal (hija de Carlos I) en el mismo sitio donde se celebraron las primeras Cortes de Madrid (1339), mientras que el de La Encarnación corrió a cargo de la Reina Margarita de Austria (esposa del rey Felipe III), aunque no se pudo poner en marcha hasta cinco años después de su fallecimiento. Los dos se conservan casi igual, tanto desde el punto de vista arquitectónico como del de los tesoros que guardaban; una visita a esos lugares podría ser el remate perfecto para la jornada.

La exposición estará abierta hasta el 15 de marzo. La entrada cuesta 12 euros, aunque hay descuentos y es gratis de lunes a jueves entre las 16:00 y las 18:00.

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Exposición sobre Troya en el British Museum

jueves, 2 de enero de 2020 Comments off

Una ciudad sumida en diez largos años de guerra, la mujer más bella del mundo disputada por ambas partes, un astuto ardid para pasar las murallas y atacar desde dentro, las luchas entre dioses por apoyar a un bando o al otro, héroes, profecías, asesinatos… La historia de Troya siempre fue considerada un mito inventado por Homero en La Ilíada hasta que el arqueólogo alemán Heinrich Schliemann se empeñó en seguir el relato de forma literal y descubrió las ruinas de la ciudad.

Schlieman alcanzó la gloria científica y Troya pasó a convertirse en otro tipo de mito, originando hoy multitud de libros, películas, expresiones (talón de Aquiles, caballo de Troya)… y exposiciones. La última de éstas se puede visitar buscando un vuelo a Londres y acercándose al British Museum, que la inauguró el pasado mes de noviembre: se titula Troy, myth and reality (Troya, mito y realidad) y, como indica el epígrafe, trata de establecer las diferencias entre el relato épico y el histórico.

La importancia del relato homérico es enorme porque constituye el pie para otros. Así, La Odisea es la consecuencia que esa guerra tuvo para uno de sus combatientes, Odiseo (Ulises, en versión latina) y La Eneida cuenta la huida de un personaje troyano que terminará fundando Roma. Todo ello sin contar la repercusión temática en el arte. De éste va bien surtida la muestra, pues junto con las arqueológicas reúne más de trescientas piezas datadas entre la Edad del Bronce y la época en la que se sitúan los hechos (en torno al siglo VIII a.C) hasta la actualidad.

Troy: myth and reality, está comisariada por Alexandra Villing y se puede contemplar hasta el 8 de marzo en la sala 30, Galería de Exposiciones de Salisbury por entradas a partir de 20 libras (aunque hay tarifas reducidas a consultar). Es el mundo griego trasladado al Londres de 2020 con sus guerreros épicos, sus cautivadoras mujeres, sus caprichosas divinidades, sus duelos singulares y siempre, como telón de fondo, ese icónico -y traicionero- caballo de madera.

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«Galicia, un relato en el mundo», exposición en Santiago de Compostela

lunes, 23 de diciembre de 2019 Comments off

El Museo Centro Gaiás, que está ubicado en la Cidade de Cultura de Santiago de Compostela, no sólo aspira a ser un referente arquitectónico de Galicia sino también a ofrecer un amplio abanico de posibilidades culturales, propuestas formativas y exposiciones, gracias a los 16.000 metros cuadrados de superficie de que dispone para ello, de los que 6.600 son para esa última actividad.

Una de las muestras que tiene actualmente en cartel, en concreto desde el pasado mes de noviembre, es Galicia, un relato en el mundo. organizada por la Xunta de Galicia con motivo del próximo Xacobeo, que se celebrará en el año 2021. Se trata de una exposición que se estructura torno a los mitos, las historias, las memorias y las vidas de los gallegos en diferentes épocas y contextos geográficos.

Compuesta por más de trescientas piezas, abarca desde los mitos fundacionales de la región al florecimiento de la lírica medieval; desde Irlanda hasta Roma. Las obras proceden de ocho países y veintiún colecciones privadas, siendo algunas auténticas joyas, capaces de asombrar al espectador junto con el carácter interactivo que se le ha dado al evento.

Entre las más destacadas si pueden citar la Biblia Kennicoat, la talla policromada de la Santa de Francisco Asorey, el Libro de las Invasiones, el Mapa de Sawley, el Códice Calixtino, el Cancionero de la Vaticana, el Codex Aretinus, el Paraíso Terrenal de Peter Brueghel el Joven, el Itinerario de Egeria, la bandera del Tercio de Gallegos o el Guerrero de Lesenho, por ejemplo.

La exposición permanecerá abierta hasta el 12 de abril, por lo que quien busque un vuelo a Santiago de Compostela para los próximos meses ya puede apuntar una visita más a su programa.

El Louvre acaba 2018 y empieza 2020 con una exposición sobre Leonardo da Vinci

viernes, 20 de diciembre de 2019 Comments off

Leonardo da Vinci siempre da mucho juego; es una baza con total garantía y el Museo del Louvre seguro que lo ha tenido en cuenta a la hora de programar el paso de 2019 a 2020 porque el pasado 24 de octubre inauguró una exposición titulada Leonardo da Vinci que se anuncia patrocinada por el presidente francés Emmanuel Macron y que, a buen seguro, atraerá a muchos de los que aprovechen sus vacaciones navideñas para buscar un vuelo a París para pasar unos días en la capital francesa.

No se trata de un evento caprichoso. Este año que termina se cumplía el 500º aniversario de la muerte del sabio italiano, que como se sabrá tuvo lugar precisamente en Francia al haberle ofrecido su protección el rey Francisco I. Por otra parte, el Louvre posee la colección más grande del mundo de pinturas suyas, aparte de 22 dibujos, así que de material para exhibir no anda escasa la institución gala.

Pero, dada la efeméride, ha querido aprovechar para reunir una cantidad extraordinaria de obras para completar a las que serán las cinco estrellas de la muestra. Se trata de La Virgen de las Rocas, La Belle Ferronnière, la Mona Lisa (que permanecerá en la galería donde normalmente se muestra), San Juan Bautista y Santa Ana. Junto a ellas se podrán ver multitud de dibujos y una serie de pinturas pequeñas pero significativas, así como esculturas realizadas por el círculo de discípulos del maestro de Vinci.

Con todo ello, los comisarios Vincent Delieuvin (del Departamento de Pinturas) y Louis Frank (del Departamento de Grabados y Dibujos), ambos del Museo del Louvre han reunido material para una exposición sin precedentes, alejándose de las habituales que se centran en los inventos para atender sobre todo el trabajo artístico de Leonardo y muy especialmente la pintura, a la que él consideraba toda una ciencia.

Todo ello no se ha improvisado sino que es el fruto de una década de esfuerzos que incluyen exámenes científicos de las pinturas del Louvre y los tratamientos de conservación aplicados a tres de ellas, algo que permite comprender mejor la técnica de Leonardo. Por otra parte, también se ha investigado exhaustivamente los documentos de archivo relacionados con el artista para aclarar los puntos más oscuros de su biografía y ofrecer el retrato de un hombre que se empeñó en vivir con libertad.

Leonardo da Vinci estará abierta en París hasta el 24 de febrero de 2020 en el Hall Napoleón (debajo de la pirámide), en horario diario (excepto los martes) de 9:00 a 18:00 (miércoles y viernes hay apertura nocturna hasta las 21:45). Las entradas cuestan 17 euros y permiten acceder también a ver la colección permanente del museo.

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La pintura de los Brueghel, en el madrileño Palacio de Gaviria

martes, 10 de diciembre de 2019 Comments off

Nueva excusa para que los amantes del arte empiecen a buscar algún vuelo a Madrid. El Palacio del Marqués de Gaviria, un edificio señorial decimonónico ubicado en la calle Arenal y que en la actualidad, tras un período en que funcionó como discoteca, se usa para exposiciones temporales, ofrece desde el pasado 7 de octubre una muestra titulada Brueghel. Maravillas del arte flamenco que promete hacer las delicias de los susodichos aficionados.

Está organizada por Arthemisia España y su comisario es Sergio Gaddi, que ha seleccionado un centenar de obras consideradas representativas de esa saga de pintores. Saga porque hubo nada menos que ocho artistas con ese nombre, todos familiares, siendo los más destacados Pieter Brueghel el Viejo, Pieter Brueghel el Joven, Jan Brueghel el Viejo, Jan Brueghel el Joven, Jan Peter Brueghel, Abraham Brueghel y Ambrosius Brueghel. Para completar la visión de la época, se incluyen también piezas de una veintenta de artistas contemporáneos suyos, como Rubens, El Bosco o David Teniers el Joven.

El recorrido de la exhibición empieza con el fundador, Brueghel el Viejo (1525-1569), que plasma en sus cuadros escenas campesinas con carácter moralizante pero en tono sarcástico y provocador. Sin embargo, la mayor parte de su producción estuvo en manos privados, por lo que fue su primogénito, Pieter Brueghel el Joven (1564-1637), quien le dio a conocer al hacer copias del trabajo de su padre. El segundo hijo, Jan Brueghel el Viejo (1568-1625), siguió en la misma línea pero dando mayor protagonismo a la naturaleza y usando una técnica más minuciosa.

Jan Brueghel el Joven (1601-1678) –hijo de Jan el Viejo–, heredó el estudio de su padre y fue miembro de la Guilda de San Lucas, uno de los gremios de artistas y artesanos flamencos de mayor prestigio. Alcanzó gran éxito terminando los cuadros de su padre y vendiéndolos, además de aportar los suyos propios, realizados con un estilo muy particular. Tuvo once hijos y cinco de ellos se dedicaron a la pintura, como Jan Peter Brueghel (1628-1664), que se especializó en el género floral, y Abraham Brueghel (1631-1697), que lo hizo en paisajes y bodegones.

Por último, hay que resaltar la oportunidad de contemplar en Madrid las obras de Ambrosius Brueghel (1617-1675), un artista poco conocido del que se exponen Pareja de bodegones con flores y el ciclo de cuatro cuadros que representan la alegoría de los elementos (tierra, fuego, agua y aire). Será hasta el 12 de abril de 2020 por una entrada de 14 euros (se incluye audioguía).

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«Los impresionistas y la fotografía», exposición en el Museo Thyssen

jueves, 5 de diciembre de 2019 Comments off

Parece evidente la relación entre pintura y fotografía, más allá de las limitaciones técnicas propias de cada época. Los primeros daguerrotipos aparecieron en la década de los 30 del siglo XIX y tuvieron su lógica repercusión en los pintores pero esa influencia se disparó en los años posteriores de la misma centuria cuando se desarrolló la impresión fotográfica en papel. Éste es el punto de partida de Los impresionistas y la fotografía, la última exposición del Museo Thyssen-Bornemysza.

Fotógrafos como Gray, Cuvelier, Nadar o Disderi, entre otros muchos, estimularon a una generación de artistas plásticos que iba a dar mucho que hablar: la que encarnaron Manet, Degas y los llamados impresionistas, cuya denominación misma era una evidencia de la nueva forma en que percibían y plasmaban el mundo que les rodeaba. Las fotos constituían una apreciable fuente iconográfica pero también un modelo técnico que se reflejaba en la observación científica de la luz, en la representación de espacios asimétricos, en la reproducción de la espontaneidad…

De la misma forma, los fotógrafos empezaron a prestar una atención especial a la materialidad de sus cuadros y a la búsqueda de fórmulas para que sus fotografías resultaran menos precisas, más pictóricas. Un intercambio, pues, de conceptos; una especie de simbiosis que beneficiaba a ambas partes y que en la actualidad ha adquirido una dimensión mayor, de ahí el interés que tiene este tema para la historiografía artística.

La exposición que inauguró el Museo Thyssen en Madrid el pasado 12 de octubre es un ejemplo de ello. Plantea una reflexión crítica sobre las influencias recíprocas que se hicieron pintura y fotografía, sin olvidar la polémica al respecto originada entre artistas y críticos en la Francia de la segunda mitad del siglo XIX. Paloma Alarcó es su comisaria, que la ha estructurado en nueve espacios temáticos: El bosque; Figuras en el paisaje; El agua; En el campo; Los monumentos; La ciudad; El retrato; El cuerpo; y El archivo.

Los impresionistas y la fotografía permanecerá abierta hasta el 26 de enero de 2020 en la Sala de exposiciones temporales (planta baja) en una visita que dura una hora aproximadamente. El precio de la entrada es de 13 euros (9 en tarifa reducida). Todavía hay tiempo, por tanto, para buscar algún vuelo a Madrid y echarle un vistazo.

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Homenaje a la Kunsthalle de Bremen en el Guggenheim bilbaíno

jueves, 14 de noviembre de 2019 Comments off

El Museo Guggenheim de Bilbao ha inaugurado una exposición, organizada en colaboración con la Kunsthalle Bremen, que ofrece una propuesta un poco diferente a lo que se suele ver en esa institución, habitualmente formado por instalaciones y obras futuristas recientes. Con el título Obras maestras de la Kunsthalle Bremen: de Delacroix a Beckmann, muestra la historia de la colección alemana homónima y su pionera dedicatoria al arte moderno.

Lo hace a través de una alternancia de piezas francesas y alemanas, situadas cronológicamente entre el siglo XIX y la primera mitad del XX, con las que queda patente el compromiso cívico y la relación entre coleccionismo privado y tutela pública, así como la investigación profesional y la promoción del arte moderno, que caracterizaron al museo de Bremen. Algo que no siempre fue comprendido en su época, originando controversia y un activo debate.

Al respecto cabe señalar que Alemania fue el primer país en adoptar el impresionismo y el posimpresionismo, de ahí las opiniones encontradas acerca de la relevancia que tendrían esas nacientes nuevas tendencias. Algo que no era ajeno a los movimientos nacionales e internacionales que se dieron en el lapso de tiempo señalado.

Un grupo de ciudadanos amantes del arte y con ideas afines fundaron la Kunstverein de Bremen en 1829 para mejorar el sentido de la belleza que tenía la sociedad. Solían reunirse para charlar sobre sus respectivas colecciones y así fue tomando forma un proyecto que poco a poco fue incrementando el número de miembros y a organizar exposiciones, hasta que finalmente se creó un museo ad hoc en 1849: la citada Kinsthalle.

Medio siglo después, el que fue su primer director profesional, el historiador del arte Gustav Pauli, refinó el enfoque de una colección que había ido creciendo algo anárquicamente con donaciones privadas de sus miembros y marcó una línea a seguir para la política de adquisiciones.

Ahora, los comisarios de la muestra, Christoph Grunenberg (director de la Kunsthalle Bremen) y Petra Joos (curadora del Museo Guggenheim Bilbao), rinden homenaje a través de esta Obras maestras de la Kunsthalle Bremen: de Delacroix a Beckmann que permanecerá abierta hasta el próximo 16 de febrero. Hay tiempo todavía para buscar algún vuelo a Bilbao.

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Dos exposiciones de época en El Prado

viernes, 1 de noviembre de 2019 Comments off

Dos fueron las exposiciones que el Museo del Prado inauguró a mediados del pasado mes de octubre y constituyen un doble aliciente para buscar un vuelo a Madrid y visitarlas: el día 15, la titulada El maestro de papel. Cartillas para aprender a dibujar de los siglos XVII al XIX; el día 22, Historia de dos pintoras: Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana.

La primera, que permanecerá abierta hasta el 2 de febrero de 2020, es una curiosa muestra sobre el uso de cartillas como herramientas pedagógicas para el aprendizaje del dibujo, método habitual en Europa en general y en España en particular. El espectador encontrará más de un centenar de piezas, procedentes en su mayor parte de la colección de la pinacoteca madrileña, con estampas de figuras anatómicas empleadas en las academias de bellas artes, talleres de artistas y hogares de aficionados.

Conocidas como cartillas de principios, aparecieron en Italia a principios del siglo XVII y se difundieron con rapidez porque resultaban muy útiles para que los alumnos practicaran sin la presencia ni supervisión del maestro. El cuerpo humano, desgajado a menudo en sus diferentes partes, facilitaba a los aprendices ir de lo particular a lo general: desde ojos, nariz o boca a brazos, pierna o manos para luego pasar a la figura de cuerpo entero, evolucionando desde los contornos a los volúmenes.

Dado que las cartillas eran de papel, son pocas las que han sobrevivido hasta nuestros días y, en ese sentido, la colección del Museo del Prado es una de las más importantes que existen, con ejemplares de José Ribera, Rubens, Guercino, los Carracci, Della Bella o Jacopo Palma, entre otros.

En cuanto a la segunda exposición, comisariada por Leticia Ruiz (jefa del Departamento de Pintura Española hasta 1500) está dedicada a las dos artistas reseñadas en su título, dos de las más notables del siglo XVI. Ambas eran italianas de nacimiento. ambas fueron iniciadas en el arte gracias a sus padres, ambas rompieron los estereotipos que la sociedad asignaba a las mujeres respecto a esa práctica y ambas alcanzaron un destacado papel social.

Sonisba Anguissola, de origen noble, fue fundamentalmente retratista y entró en la corte española como dama de la reina Isabel de Valois, siendo el retrato de Felipe II uno de los más conocidos. Lavinia Fontana, hija de un prestigioso pintor y primera artista femenina profesional, destacó con sus obras mitológicas. Sus vidas quedaron reflejadas en varios libros y medallas conmemorativas de la época que el museo de Madrid también incorpora a esta muestra que estará abierta, como la otra, hasta el 2 de febrero.

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Caixa Fórum Madrid: un lujo de exposición

viernes, 18 de octubre de 2019 Comments off

Una exposición que tiene un título tan sugestivo como Lujo. De los asirios a Alejandro Magno ya tiene medio asegurado el éxito y la afluencia de curiosos. Y es que promete ser espectacular, como dice su propia presentación: «Marfiles, joyas, relieves, vidrio, oro y metales de todas las partes del antiguo Oriente Próximo nos muestran la importancia del lujo en las relaciones de comercio y poder de las antiguas civilizaciones». Fascinante ¿no?

Pues no es difícil visitarla; basta con buscar algún vuelo a Madrid porque fue inaugurada por Caixa Fórum en su sede del Paseo del Prado el pasado 20 de septiembre y allí se podrá ver hasta el 12 de enero de 2020, con el aliciente extra de estar organizada en colaboración en el British Museum, que aporta las piezas procedentes de sus inmensos fondos arqueológicos.

El título hace referencia a esos antiguos imperios de Oriente Próximo y Medio (asirio, babilónico, fenicio y persa) que formaban una zona de paso entre el Mediterráneo y Asia y tuvieron en común con Alejandro Magno el objetivo y la codicia de extender su poder más allá de sus propios límites. Si hubo conquistas y saqueos, tampoco faltó el comercio de materias primas, metales preciosos y objetos manufacturados que dan testimonio del refinamiento alcanzado por las clases acomodadas a lo largo de siglos.

La muestra llega al Caixa Fórum de Madrid tras haber pasado este verano por el de Barcelona. Está comisariada por Alexandra Fletcher, doctora y conservadora de las colecciones del Medio Oriente Antiguo en el citado Museo Británico y encargada de seleccionar las 217 piezas que la componen, datadas cronológicamente entre los años 900 y 300 a.C. Entre ellas figuran relieves del Palacio de Nínive o miniaturas del tesoro persa de Oxus pero también hay varios audiovisuales didácticos, un mapa histórico dinámico y pantallas interactivas.

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Viajando a Málaga para la exposición Calder-Picasso

martes, 15 de octubre de 2019 Comments off

¿Amante del turismo pero también del arte? Pues buscando algún vuelo a Málaga se pueden satisfacer ampliamente ambas cosas haciendo multitud de actividades. Una de ellas podría ser una visita al Museo Picasso, donde además de la colección permanente se organizar exposición temporales de considerable interés; la que está actualmente en carta, desde su inauguración el pasado 24 de septiembre, es Calder-Picasso.

Se trata de la primera muestra en España dedicada a ahondar en la relación creativa que hubo entre dos grandes maestros, para muchos los mayores innovadores del siglo XX: el estadounidense Alexander Calder (1898—1976) y el español Pablo Picasso (1881—1973). Más de un centenar de obras han sido reunidas por los comisarios Alexander S. C. Rower, presidente de Calder Foundation (Nueva York); Bernard Ruiz-Picasso, co-presidente de la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte (FABA); Claire Garnier y Emilia Philippot, del Musée National Picasso-Paris; y José Lebrero Stals, del Museo Picasso de Málaga.

Con esas piezas se intenta aclarar la vinculación entre Calder y Picasso; en palabras de la propia organización, «su exploración del vacío, o la ausencia de espacio, que ambos artistas definieron desde la figura hasta la abstracción». A pesar de sus diferentes maneras de percibir los temas, se puede encontrar más de una conexión entre ellos. Para empezar, los dos nacieron a finales del siglo XIX y tenían padres artistas. Asimismo, ambos se instalaron en Francia y, en contacto con otros colegas, se reinventaron continuamente, convirtiéndose en celebridades y referentes para su generación.

Por supuesto, también tuvieron diferencias, pues nunca compartieron los mismos conceptos artísticos salvo detalles como el gusto por el circo. Tampoco se conocieron demasiado; su primer encuentro fue en 1931, durante la primera exposición de Calder, y no volvieron a verse hasta seis años después, en la Exposición Internacional de París, donde una fuente realizada por Calder se colocó en el Pabellón de España frente al Guernica, siendo el norteamericano el único artista no español invitado a ello.

La exposición Calder-Picasso estará abierta hasta el 2 de febrero de 2020. En ella se podrán ver 107 obras, de las que 57 son de Calder y las 50 restantes del hijo más famoso de Málaga, yendo el conjunto acompañado de fotografías, cartas y otras piezas contextuales.

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