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Homenaje a la Kunsthalle de Bremen en el Guggenheim bilbaíno

jueves, 14 de noviembre de 2019 Comments off

El Museo Guggenheim de Bilbao ha inaugurado una exposición, organizada en colaboración con la Kunsthalle Bremen, que ofrece una propuesta un poco diferente a lo que se suele ver en esa institución, habitualmente formado por instalaciones y obras futuristas recientes. Con el título Obras maestras de la Kunsthalle Bremen: de Delacroix a Beckmann, muestra la historia de la colección alemana homónima y su pionera dedicatoria al arte moderno.

Lo hace a través de una alternancia de piezas francesas y alemanas, situadas cronológicamente entre el siglo XIX y la primera mitad del XX, con las que queda patente el compromiso cívico y la relación entre coleccionismo privado y tutela pública, así como la investigación profesional y la promoción del arte moderno, que caracterizaron al museo de Bremen. Algo que no siempre fue comprendido en su época, originando controversia y un activo debate.

Al respecto cabe señalar que Alemania fue el primer país en adoptar el impresionismo y el posimpresionismo, de ahí las opiniones encontradas acerca de la relevancia que tendrían esas nacientes nuevas tendencias. Algo que no era ajeno a los movimientos nacionales e internacionales que se dieron en el lapso de tiempo señalado.

Un grupo de ciudadanos amantes del arte y con ideas afines fundaron la Kunstverein de Bremen en 1829 para mejorar el sentido de la belleza que tenía la sociedad. Solían reunirse para charlar sobre sus respectivas colecciones y así fue tomando forma un proyecto que poco a poco fue incrementando el número de miembros y a organizar exposiciones, hasta que finalmente se creó un museo ad hoc en 1849: la citada Kinsthalle.

Medio siglo después, el que fue su primer director profesional, el historiador del arte Gustav Pauli, refinó el enfoque de una colección que había ido creciendo algo anárquicamente con donaciones privadas de sus miembros y marcó una línea a seguir para la política de adquisiciones.

Ahora, los comisarios de la muestra, Christoph Grunenberg (director de la Kunsthalle Bremen) y Petra Joos (curadora del Museo Guggenheim Bilbao), rinden homenaje a través de esta Obras maestras de la Kunsthalle Bremen: de Delacroix a Beckmann que permanecerá abierta hasta el próximo 16 de febrero. Hay tiempo todavía para buscar algún vuelo a Bilbao.

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Dos exposiciones de época en El Prado

viernes, 1 de noviembre de 2019 Comments off

Dos fueron las exposiciones que el Museo del Prado inauguró a mediados del pasado mes de octubre y constituyen un doble aliciente para buscar un vuelo a Madrid y visitarlas: el día 15, la titulada El maestro de papel. Cartillas para aprender a dibujar de los siglos XVII al XIX; el día 22, Historia de dos pintoras: Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana.

La primera, que permanecerá abierta hasta el 2 de febrero de 2020, es una curiosa muestra sobre el uso de cartillas como herramientas pedagógicas para el aprendizaje del dibujo, método habitual en Europa en general y en España en particular. El espectador encontrará más de un centenar de piezas, procedentes en su mayor parte de la colección de la pinacoteca madrileña, con estampas de figuras anatómicas empleadas en las academias de bellas artes, talleres de artistas y hogares de aficionados.

Conocidas como cartillas de principios, aparecieron en Italia a principios del siglo XVII y se difundieron con rapidez porque resultaban muy útiles para que los alumnos practicaran sin la presencia ni supervisión del maestro. El cuerpo humano, desgajado a menudo en sus diferentes partes, facilitaba a los aprendices ir de lo particular a lo general: desde ojos, nariz o boca a brazos, pierna o manos para luego pasar a la figura de cuerpo entero, evolucionando desde los contornos a los volúmenes.

Dado que las cartillas eran de papel, son pocas las que han sobrevivido hasta nuestros días y, en ese sentido, la colección del Museo del Prado es una de las más importantes que existen, con ejemplares de José Ribera, Rubens, Guercino, los Carracci, Della Bella o Jacopo Palma, entre otros.

En cuanto a la segunda exposición, comisariada por Leticia Ruiz (jefa del Departamento de Pintura Española hasta 1500) está dedicada a las dos artistas reseñadas en su título, dos de las más notables del siglo XVI. Ambas eran italianas de nacimiento. ambas fueron iniciadas en el arte gracias a sus padres, ambas rompieron los estereotipos que la sociedad asignaba a las mujeres respecto a esa práctica y ambas alcanzaron un destacado papel social.

Sonisba Anguissola, de origen noble, fue fundamentalmente retratista y entró en la corte española como dama de la reina Isabel de Valois, siendo el retrato de Felipe II uno de los más conocidos. Lavinia Fontana, hija de un prestigioso pintor y primera artista femenina profesional, destacó con sus obras mitológicas. Sus vidas quedaron reflejadas en varios libros y medallas conmemorativas de la época que el museo de Madrid también incorpora a esta muestra que estará abierta, como la otra, hasta el 2 de febrero.

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Caixa Fórum Madrid: un lujo de exposición

viernes, 18 de octubre de 2019 Comments off

Una exposición que tiene un título tan sugestivo como Lujo. De los asirios a Alejandro Magno ya tiene medio asegurado el éxito y la afluencia de curiosos. Y es que promete ser espectacular, como dice su propia presentación: «Marfiles, joyas, relieves, vidrio, oro y metales de todas las partes del antiguo Oriente Próximo nos muestran la importancia del lujo en las relaciones de comercio y poder de las antiguas civilizaciones». Fascinante ¿no?

Pues no es difícil visitarla; basta con buscar algún vuelo a Madrid porque fue inaugurada por Caixa Fórum en su sede del Paseo del Prado el pasado 20 de septiembre y allí se podrá ver hasta el 12 de enero de 2020, con el aliciente extra de estar organizada en colaboración en el British Museum, que aporta las piezas procedentes de sus inmensos fondos arqueológicos.

El título hace referencia a esos antiguos imperios de Oriente Próximo y Medio (asirio, babilónico, fenicio y persa) que formaban una zona de paso entre el Mediterráneo y Asia y tuvieron en común con Alejandro Magno el objetivo y la codicia de extender su poder más allá de sus propios límites. Si hubo conquistas y saqueos, tampoco faltó el comercio de materias primas, metales preciosos y objetos manufacturados que dan testimonio del refinamiento alcanzado por las clases acomodadas a lo largo de siglos.

La muestra llega al Caixa Fórum de Madrid tras haber pasado este verano por el de Barcelona. Está comisariada por Alexandra Fletcher, doctora y conservadora de las colecciones del Medio Oriente Antiguo en el citado Museo Británico y encargada de seleccionar las 217 piezas que la componen, datadas cronológicamente entre los años 900 y 300 a.C. Entre ellas figuran relieves del Palacio de Nínive o miniaturas del tesoro persa de Oxus pero también hay varios audiovisuales didácticos, un mapa histórico dinámico y pantallas interactivas.

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Viajando a Málaga para la exposición Calder-Picasso

martes, 15 de octubre de 2019 Comments off

¿Amante del turismo pero también del arte? Pues buscando algún vuelo a Málaga se pueden satisfacer ampliamente ambas cosas haciendo multitud de actividades. Una de ellas podría ser una visita al Museo Picasso, donde además de la colección permanente se organizar exposición temporales de considerable interés; la que está actualmente en carta, desde su inauguración el pasado 24 de septiembre, es Calder-Picasso.

Se trata de la primera muestra en España dedicada a ahondar en la relación creativa que hubo entre dos grandes maestros, para muchos los mayores innovadores del siglo XX: el estadounidense Alexander Calder (1898—1976) y el español Pablo Picasso (1881—1973). Más de un centenar de obras han sido reunidas por los comisarios Alexander S. C. Rower, presidente de Calder Foundation (Nueva York); Bernard Ruiz-Picasso, co-presidente de la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte (FABA); Claire Garnier y Emilia Philippot, del Musée National Picasso-Paris; y José Lebrero Stals, del Museo Picasso de Málaga.

Con esas piezas se intenta aclarar la vinculación entre Calder y Picasso; en palabras de la propia organización, «su exploración del vacío, o la ausencia de espacio, que ambos artistas definieron desde la figura hasta la abstracción». A pesar de sus diferentes maneras de percibir los temas, se puede encontrar más de una conexión entre ellos. Para empezar, los dos nacieron a finales del siglo XIX y tenían padres artistas. Asimismo, ambos se instalaron en Francia y, en contacto con otros colegas, se reinventaron continuamente, convirtiéndose en celebridades y referentes para su generación.

Por supuesto, también tuvieron diferencias, pues nunca compartieron los mismos conceptos artísticos salvo detalles como el gusto por el circo. Tampoco se conocieron demasiado; su primer encuentro fue en 1931, durante la primera exposición de Calder, y no volvieron a verse hasta seis años después, en la Exposición Internacional de París, donde una fuente realizada por Calder se colocó en el Pabellón de España frente al Guernica, siendo el norteamericano el único artista no español invitado a ello.

La exposición Calder-Picasso estará abierta hasta el 2 de febrero de 2020. En ella se podrán ver 107 obras, de las que 57 son de Calder y las 50 restantes del hijo más famoso de Málaga, yendo el conjunto acompañado de fotografías, cartas y otras piezas contextuales.

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Las fotografías de Oriol Maspons en Barcelona

viernes, 11 de octubre de 2019 Comments off

El Museu Nacional d’Art de Catalunya, cuya sede está en el Palau Nacional del Parc de Montjuic, en Barcelona, inauguró el pasado 5 de julio la que la primera gran exposición retrospectiva que se hace sobre la obra del fotógrafo barcelonés Oriol Maspons, reuniendo más de 500 imágenes

Así, bajo el expresivo título Oriol Maspons, la fotografía útil/1949-1995, se recorren más de cuatro décadas de profesión desarrollada en en campos diversos, como el retrato, el reportaje, la publicidad o la moda. Para conocer mejor esa producción, se contextualizan las obras realizadas y se apoya la muestra con la recuperación de material documental, desde libros a revistas pasando por carátulas de discos, etc. Todo ello ayuda también a conocer el destino final que tuvieron esas fotografías.

Los expertos consideran que Oriol Maspons ejerció un papel fundamental en la renovación del lenguaje fotográfico en España entre las décadas de los cincuenta y los sesenta, empezando como amateur. En 1951 ingresó en la Agrupación Fotográfica de Cataluña y cuatro años después se trasladaba a París, donde frecuentaba los ambientes artísticos. A su regreso a la ciudad condal empezó a ejercer como profesional, formando sociedad con Julio Ubiña.

Trabajó para diversos medios, como La Gaceta Ilustrada, L’Oeil, Paris-Match, Boccaccio, Expression o Elle, entre otros. También publicó una considerable cantidad de libros, destacando entre ellos los que editó Lumen en su colección Palabra e Imagen. Sus títulos fueron Toreo de salón, con Julio Ubiña y textos del escritor Camilo José Cela; La caza de la perdiz roja, con textos de Miguel Delibes; y Poeta en Nueva York, obviamente con poemas de Federico García Lorca.

La muestra está comisariada por Cristina Zelich, especialista en fotografía, y se puede visitar en la sala 1 de exposiciones temporales del museo por una entrada de 6 euros y un plazo máximo hasta el 12 de enero de 2020. Siempre que, quien venga de fuera, reserve algún vuelo a Barcelona, claro.

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La primera etapa de Mondrian en el Marmottan Museum de París

lunes, 7 de octubre de 2019 Comments off

Hace falta más de un vuelo a París para descubrir, uno por uno, la lista de museos que hay en la capital, a cada cual más interesante. Uno de ellos, no tan conocido como el Louvre, el Ppmpidou o el de Orsay, es el Marmottan Monet, ubicado en el número 2 de la calle Louis Boilly. Como indica su nombre, posee más de un centenar de obras de pintores impresionistas, como Degas, Manet, Renoir, Pissarro, Sisley, Gauguin, Signac o Morisot, aunque su autor emblemático es el que le da nombre, Claude Monet, de quien conserva la obra seminal y paradigmática de ese estilo: Impresión, sol naciente.

Sin embargo, el museo posee también otras colecciones, como la dedicada al estilo Imperio o la de libros miniados. Por supuesto, al igual que otras instituciones, también organiza exposiciones temporales y el pasado 12 de septiembre inauguró la titulada Mondrian figuratif, que como se puede deducir está dedicada al Piet Mondrian, artista holandés que vivió entre el último cuarto del siglo XIX y la primera mitad del XX. Un vanguardista, fundador del llamado neoplasticismo, cuya pintura fue evolucionado desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción.

Era miembro del grupo De Stijl y suele resultar familiar al espectador por sus cuadros de líneas limpias y cuadrados rojos, amarillos y azules. Sin embargo, el Museo Marmottan se centra más bien en su primera etapa, la figurativa, para lo cual ha reunido unas 60 obras, entre dibujos y pinturas,que el propio Mondrian había seleccionado alrededor de 1920 para su más entusiasta fan, Salomon B. Slijper. Son paisajes, retratos, pinturas de flores de clara influencia impresionista, luminista y simbolista, junto a las que también aparecen composiciones curiosas cubistas y neoclasicistas

Organizada en colaboración con el Kuntsmuseum Den Haag (un museo de arte de La Haya conocido hasta 1998 como Haags Gemeentemuseum y al que los herederos de Salomon B. Slijper donaron la colección), Mondrian figuratif permanecerá abierta en París hasta el 26 de enero de 2020, pudiendo visitarse por una entrada de 12 euros (8,50 en tarifa reducida y gratis para menores de 7 años), con un extra de 3 euros si de pide audioguía (en inglés y francés).

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Exposición sobre Giovanni Boldini en la Fundación Mapfre

viernes, 4 de octubre de 2019 Comments off

Los aficionados a la pintura tienen nueva excusa para reservar un vuelo a Madrid en algún momento de lo que queda de año y acercarse hasta la Fundación Mapfre, que el pasado 19 de sptiembre inauguró una exposición titulada<em> Boldini y la pintura española a finales del siglo XIX. El espíritu de una época.

Giovanni Boldini, uno de los retratistas italianos más importantes de finales del siglo XIX y principios del XX, era natural de Ferrara, donde nació en 1842. En 1871 se instaló en el Montmartre parisino, el famoso barrio bohemio que no tardaría en acoger a una retahíla de artistas y literatos, tanto franceses como del resto de Europa. En la capital gala recibió influencias de Jean-Louis-Ernest Meissonier; también del español Mariano Fortuny, a quien no llegó a conocer personalmente por la prematura muerte de éste.

Sin embargo, luego desarrolló un estilo propio y único que mantuvo el resto de su vida y se basaba en la intuición del instante, del movimiento, que reflejaba con rápidas pinceladas pero sin llegar a perder la figura ni la expresión del retratado. Es algo que se puede apreciar en la muestra que la fundación tiene en su sede del Paseo de Recoletos de Madrid, comisariada por Francesca Dini y Leyre Bozal Chamorro.

Ambos han reunido 124 obras procedentes de numerosas instituciones y colecciones particulares (destacando la Galleria Nazionale d’arte Moderna de Roma, Galleria d’arte Moderna e Contemporanea de Ferrara, Galleria d’arte Moderna di Palazzo Pitti, Galleria degli Uffizi, Meadows Museum de Dallas, Metropolitan Museum de Nueva York, National Gallery of Art de Washington y Museo del Prado). Entre esas piezas las hay de autores españoles que entonces también residían en París y mantenían vinculación estética con la del italiano; Fortuny es un ejemplo ya reseñado pero también estaban Madrazo o Sorolla, por ejemplo.

Asimismo, Boldini fue influido por la pintura amable y anecdótica del siglo XVIII, aunque igualmente le interesaron la ciudad moderna y el paisaje. Fue, en suma, una combinación de tradición y renovación que se puede seguir a través de las seis secciones e que se estructura la exposición: Boldini en Florencia: la invención del retrato macchiaiolo; Meissonier y Fortuny; La primera manera francesa de Boldini; Ecos de Boldini en la pintura española de fin de siglo; La vida moderna; y Boldini, retratista de la Belle Époque. Será hasta el 12 de enero de 2020.

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Campos eventuales: videoarte en la Fundación BBVA

martes, 1 de octubre de 2019 Comments off

Cuando hablamos de videoarte nos referimos a un movimiento artístico originario de EEUU, donde nació en los años sesenta y que consiste en mostrar imágenes en movimiento recurriendo al formato vídeo, aunque en un sentido diferente al de las producciones televisivas o cinematográficas, incluso de las experimentales. Así, no necesita argumentos, diálogos ni actores sino que las imágenes tienen sentido per se y, por ello, está muy cerca del arte conceptual y experimental.

La Fundación BBVA inauguró el pasado 13 de septiembre una exposición de su Sala Multiverso en la que presenta la última creación del artista Francisco Ruiz de Infante. Nacido en Vitoria en 1966, vive y trabaja en Estrasburgo como coordinador del grupo de investigación Arte Fuera de Formato – Artes del Tiempo de la Haute École des Arts du Rhin. Ha realizado exposiciones en sitios como el Museo de Arte Moderno de París, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid o el Museo Guggenheim de Bilbao, por citar sólo algunos.

Ahora tiene un proyecto que, bajo el título Ecosistemas Bluesky, ha producido más de diez cortometrajes y varias grandes exposiciones de instalaciones audiovisuales en múltiples ciudades. Campos eventuales es su eje vertebrador y ha sido materializada mediante una Beca Multiverso de las que patrocina la Fundación BBVA, razón por la que se exhibe en sus instalaciones hasta el próximo 13 de octubre. Campos eventuales debe su nombre a los sitios donde las aeronaves pueden llevar a cabo un aterrizaje forzoso. Por eso se articula en tres simuladores y cinco vuelos.

La voz de un protagonista es la que guía al espectador por un viaje que incluye imágenes tomadas de gran cantidad de fuentes (Internet, grabaciones con móvil, 3-D…) acompañadas de sonidos diversos (conversaciones, morse, ruidos electrónicos…), todo ello en dos lenguas (español y francés) más subtítulos y con varios falsos finales. La entrada es libre y gratuita y el horario va de lunes a domingo entre las 10:00 y las 21:00.

Tiene su gracia que todo aquel que esté interesado y viaje de fuera deba buscar algún vuelo a Madrid porque la comisaria de la muestra, Laura Baigorri(profesora titular especialista en Arte y Nuevos Medios en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona) lo sintetiza todo en una pregunta: “Ya hemos aprendido a volar, pero ¿sabremos aterrizar?».

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Fotos en color de Garry Winogrand en el Brooklyn Museum neoyorquino

viernes, 27 de septiembre de 2019 Comments off

Mucha gente no lo conoce pero quien tome un vuelo a Nueva York con la idea de hacer turismo por la ciudad estadounidense puede acercarse hasta el Brooklyn Museum, que está en el barrio homónimo de Long Island y tiene una importante colección de arte, ya que se trata del tercer museo neoyorquino en tamaño (y originalmente fue diseñado con la idea de ser el más grande del mundo).

Ubicado en un edificio de estilo Beaux Arts, atesora una considerable cantidad de obras de otros lugares y épocas, entre ellas el Antiguo Egipto y Próximo Oriente, así como arte africano, del Pacífico, islámico y europeo, aunque lo más destacado de sus fondos corresponde al arte nacional, con autores como Edward Hopper, Winslow Homer, Joseph Singer Sargent o Norman Rockwell. A ellos se suman otros como Mark Rothko, Max Weber, los impresionistas, etc.

Actualmente tiene en cartel, desde el pasado 3 de mayo y hasta el próximo 8 de diciembre, a un fotógrafo del siglo XX: Garry Winogrand, que precisamente nació en Nueva York. Estudió pintura y fotografía, pasando a ser profesor en varios centros y publicando unos cuantos libros gráficos. Falleció en 1984 dejando más de 300.000 imágenes, muchas de las cuales todavía no se habían revelado, así como miles de rollos de película.

La exposición del Brooklyn Museum lleva por título Garry Winogrand: color y, como se puede deducir, está compuesta por fotos en color, que son la gran novedad porque el autor es famoso sobre todo por las que son en blanco y negro (a menudo, las limitaciones presupuestarias que tenía le obligaba a revelar sin color). Pero es que entre ese legado que dejó había cerca de 45.000 diapositivas en color hechas entre los años cincuenta y sesenta.

La muestra ofrece al espectador casi medio millar de ellas; 450 para ser exactos. En la primera exhibición que se hace sobre ese tipo de obras de Winogrand se ven sus temas habituales, callejeros, costumbristas. Los comisarios del evento son los curadores museísticos Drew Sawyer, Phillip Leonian y Edith Rosenbaum, que reunieron material cedido por el Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona, Tucson, que alberga el Archivo Garry Winogrand.

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Balenciaga y la pintura española en el Museo Thyssen

viernes, 19 de julio de 2019 Comments off

¿Tiene algo que ver la obra de Balenciaga con la pintura española moderna y contemporánea? Sí, si visitamos la exposición inaugurada el pasado 28 de junio por el Museo Thyssen de Madrid, precisamente con ese título: Balenciaga y la pintura española.

Esta institución vincula el trabajo creativo del famoso diseñador de moda guipuzcoano, considerado el más influyente y admirado de todos los tiempos, con la tradición pictórica nacional desarrollada entre los siglos XVI y XX. De hecho, las referencias al arte siempre estuvieron muy presentes en sus obras y pueden apreciarse en las líneas minimalistas, los hábitos religiosos y los volúmenes arquitectónicos de buena parte de ellas, al igual que los brillos del traje de luces torero, el aire de la bata de cola flamenca o la estética indumentaria de los Habsburgo reflejada en el terciopelo negro.

Podría decirse que Balenciaga era un revisionista continuo de la historia del arte español, que incorporaba a su característico estilo recuperando y reinterpretando la su manera las hechuras de antaño incluso en la etapa más vanguardista de su carrera. Así lo considera Eloy Martínez de la Pera, comisario de la muestra, que ha realizado una selección de cuadros ad hoc cedidos por colecciones privadas e instituciones de ámbito nacional, caso del Museo del Prado o el de Bellas Artes bilbaíno, así como vestidos y complementos -muchos nunca expuestos antes- procedentes del Museo Balenciaga de Guetaria, el Museo del Traje de Madrid y el Museu del Disseny de Barcelona, entre otros.

Quien busque algún vuelo a Madrid antes del 22 de septiembre, fecha en que termina el evento, podrá acercarse a la sede del Thyssen (en su planta baja concretamente) y visitar la exposición, cuyo recorrido dura una hora aproximadamente, por un precio de 13 euros (9 en tarifa reducida) y en horario de 10:00 a 22:00 (hasta las 19:00 los domingos del verano y hasta las 21:00 los sábados a partir de la segunda semana de septiembre).

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