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El Reina Sofía ofrece una interesante exposición sobre la revista cultural peruana Amauta

martes, 19 de marzo de 2019 Comments off

A la mayor parte de la gente, el nombre<em> Amauta no le dirá nada. Especialmente en España, puesto que se trataba de una revista cultural peruana creada en 1926 por José Carlos Mariátegui, un escritor, periodista y político natural de Moquegua que también fue el fundador del Partido Socialista Peruano en 1928 (que luego pasaría a ser el Partido Comunista Peruano).

La publicación pretendía convertirse en un foro de discusión sobre la modernidad y vanguardias artísticas, difundiendo en Perú las nuevas corrientes que llegaban de fuera como el cubismo, el indigenismo o el psicoanálisis. De hecho, en sus páginas escribieron la mayoría de los intelectuales del país y muchos extranjeros, como Borges, Breton o Unamuno. Amauta alcanzó una tirada importante para su época y duró más de la media habitual, ya que sacó 33 números.

Crear un Perú nuevo dentro del mundo nuevo fue uno de sus objetivos declarados, no adscribiéndose a ningún grupo ni abogando por ningún programa concreto, ya fuera estético o político. Eso le permitió dar el salto internacional con cierto éxito, consiguiendo una amplia red de corresponsales no sólo por América Latina sino también por Europa. Tuvo, pues, un impacto cultural significativo y por eso el Museo Reina Sofía de Madrid inauguró el pasado febrero una exposición dedicada a la revista.

Se titula Redes de Vanguardia: Amauta y América Latina, 1926-1930 y está organizada por el Blanton Museum of Art de la Universidad de Texas en Austin y el Museo de Arte de Lima con la colaboración de la institución española y el apoyo de Promperú. Comisariada por Beverly Adams y Natalia Majluf, reúne más de 250 obras entre pinturas, esculturas, dibujos, fotografías, documentación y otras piezas de artistas diversos, entre ellos Diego Rivera.

La exposición se podrá ver en la tercera planta del Edificio Sabatini hasta el 27 de mayo, así que los interesados tienen tiempo por delante para ir buscando algún vuelo a Madrid, si viajan desde fuera.

Imagen: Naomiranda en Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0

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Joan Miró en el MoMA neoyorquino

martes, 12 de marzo de 2019 Comments off

¿Buscando algo para hacer en la ciudad de los rascacielos si se ha reservado un vuelo a Nueva York? Pues indudablemente, habría que visitar el MoMA, Museo de Arte Moderno, uno de los emblemas culturales neoyorquinos. Además, viajando desde España, es probable que el turista encuentre un interés especial hacia una de las exposiciones que esa institución tiene actualmente: la que lleva por título Joan Miró: Birth of the World.

traducido es Joan Miró: Nacimiento del mundo y es un evento dedicado al gran artista barcelonés a base de unas 60 obras suyas que proceden sobre todo de la propia colección del MoMA pero con varios préstamos clave. Se trata de pinturas, dibujos, grabados, libros ilustrados y objetos diversos, todo ello enmarcado en un período que abarca desde 1920 (año en que Miró hizo su primer y catalítico viaje a París) hasta principios de la década de los 50, cuando su lenguaje visual se hizo internacionalmente famoso.

El título de la muestra hace referencia a uno de sus cuadros emblemáticos, El nacimiento del mundo, pintado en 1925 después de agradecer por carta al poeta francés Michel Leiris el haberle servido de inspiración con sus escritos. Miró lo realizó aplicando pintura al lienzo al azar, como si de versos se tratase, añadiendo luego sus característicos signos pictográficos para dar como resultado lo que él mismo definió como “una especie de génesis” (el título oficial se lo dieron sus amigos surrealistas).

La exposición Joan Miró: nacimiento del mundo ha sido organizada por la curadora Anne Umland, de The Blanchette Hooker Rockefeller, ayudada por Laura Braverman, asistente curatorial del Departamento de Pintura y Escultura. Se podrá ver hasta el 15 de junio, completando así la entrada al MoMA y la siempre apasionante visita a Nueva York.

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El British Museum recuerda a James Cook

martes, 26 de febrero de 2019 Comments off

Los viajes del capitán Cook podrían muy bien haber salido de la fértil imaginación de escritores como Julio Verne o Robert Michael Ballantyne pero, como se suele decir, la realidad supera a la ficción y aquel marino inglés existió de verdad, como reales fueron las tres expediciones científicas que dirigió al Pacífico entre 1768 y 1779.

Por eso no es de extrañar que en su país forme parte de esa pléyade de marinos reverenciados junto a Nelson y Drake, por ejemplo y que sus aventuras por aquellas latitudes constituyeran uno de los hitos de la historia de la navegación. Y por eso también el British Museum de Londres inauguró una exposición homenaje hacia él el pasado 29 de noviembre con el título Reimagining captain Cook: Pacific perspectives.

Como indica ese epígrafe, en aquel inmenso océano los habitantes de las islas que el navegante visitó siguen recordando ese pasado y lo plasman en arte. Buen ejemplo de ello es el pintor Michel Tuffery, de las Islas Cook, al que le gusta imaginar al personaje transformado tras su paso por ese paradisíaco rincón del mundo, igual que se pregunta sobre las ideas de los ingleses cuando izaban su bandera tomando posesión de las tierras. Y no todo es pintura porque también se exhibe, por primera vez, un traje tahitiano ceremonial empleado en los funerales de los jefes y que el propio Cook llevó a Inglaterra en su segundo viaje.

La muestra, que es de entrada gratuita y sirve para completar una jornada de visita por el museo, estará abierta hasta el 4 de agosto en la Sala 91 mostrando la complejidad del legado de Cook en el otro lado del globo, en ese rosario de afloramientos insulares volcánicos que son los archipiélagos pacíficos -Vanuatu, Tahití, Hawai (donde encontró la muerte, por cierto) o lugares de mayor extensión como Nueva Zelanda. Todo ello, por supuesto, siempre que se busque algún vuelo a Londres.

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Toulouse-Lautrec en CaixaFórum Madrid

viernes, 22 de febrero de 2019 Comments off

Montmartre es un barrio de París que en 1880 era sinónimo de marginación y lumpen pero, a la vez, atraía a muchos creadores jóvenes que se instalaron allí atraídos por su ambiente bohemio y su bajo coste de la vida. Había escritores como Émile Goudeau, Alphonse Allais o Alfred Jarry, músicos como Erik Satie, Vincent Hyspa o Gustave Charpentier, intérpretes como Aristide Bruant e Yvette Guilbert, y pintores como Paul Signac, Pierre Bonnard o Henri-Gabriel Ibels.

Sin embargo, probablemente el más famoso y emblemático de todos ellos, al menos en lo que respecta a su vinculación con Montmartre, fue Henri de Toulouse-Lautrec, un artista de origen noble que salió adelante a despecho de la enfermedad que frenó su crecimiento en la infancia, aprendiendo de la mano de Luis Bonnat y Fernand Common, aunque le influyeron más las amistades que hizo, como las de sus vecinos Degas y Van Gogh. Instalarse en el barrio le sirvió para escapar de la rigidez del mundo burgués.

Al contrario que sus compañeros de estilo, los impresionistas, a Toulouse-Lautrec no le interesaba el paisaje, salvo el urbano y humano. Por eso sus obras, tanto cuadros como carteles e ilustraciones, están llenas de calles, cabarets, cafés, teatros, bailarinas y prostitutas; todo aquello, en suma, que caracterizaba Montmartre y, por tanto, la pintura de aquel artista que se convirtió en uno de los mejores representantes del movimiento impresionista.

Por eso el pasado 20 de febrero CaixaFórum Madrid inauguró una exposición para ilustrarlo bajo el título Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre. En ella se exhiben 350 obras procedentes de préstamos internacionales de colecciones públicas y privadas, tanto suyas como de otros contemporáneos, en lo que es una muestra interdisciplinar que pretende facilitar la comprensión de lo que fue aquel vibrante París del último cuarto del siglo XIX.

Se impone, pues, un vuelo a Madrid para acercarse a la sede de la exposición (Paseo del Prado 36). La entrada cuesta 5 euros (gratis para clientes del banco) y hay tiempo hasta el próximo 19 de mayo.

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Retrospectiva de Balthus en el Museo Thyssen

martes, 19 de febrero de 2019 Comments off

Todo aquel que esté planeando un vuelo a Madrid para pasar unos días o un fin de semana tiene ante sí unas cuantas exposiciones que se inauguran esta semana en diversos centros de la capital. Una de ellas es la del Museo Thyssen-Bornemysza, donde hoy precisamente empieza la que lleva por sencillo título Balthus.

Los aficionados al arte no necesitan más para deducir que está dedicada al pintor franco-polaco Balthasar Klossowski de Rola, apodado Balthus, uno de los más singulares e importantes del siglo XX hasta el punto de haber sido el único artista vivo que tenía una obra expuesta en el Louvre. Su obra no resultaba indiferente y de la misma manera que levantaba pasiones tenía también una legión de detractores: misterio, erotismo, onirismo y ciertos toques surrealistas caracterizaron su pintura, a la que se ha llegado a calificar de “posmoderna”.

Recibió influencia, según admitió él mismo, de maestros como Piero della Francesca, Caravaggio, Poussin, Géricault y Courbet, entre otros, así como algunos más modernos, ya fueran la Neue Sachlichkeit o las ilustraciones populares de libros infantiles decimonónicos. Por tanto, el suyo fue una peculiar y personal forma de vanguardismo que, sin embargo, conservaba un estilo figurativo y dejó poso en otros artistas, tanto pintores como escritores, fotógrafos y cineastas.

La muestra está comisariada por Raphaël Bouvier, con el apoyo de Michiko Kono, y Juan Ángel López-Manzanares, reuniendo piezas consideradas clave de todas las etapas de la carrera profesional de Balthus, desde su inicio en los años veinte, buscando aclarar las formas de interacción intelectual que las dimensiones espacio-tiempo, así como las relación entre figura y objeto, tienen en sus cuadros; en suma, la esencia del enigma que suele caracterizar su obra.

Esta retrospectiva, organizada conjuntamente por el Thyssen y la Fondation Beyeler en Riehen/Basilea, será visitable hasta el 26 de mayo en el museo de Madrid, procedente del suizo.

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Exposición de Anglada-Camarasa en el CaixaFórum de Mallorca

viernes, 15 de febrero de 2019 Comments off

Las grandes capitales suelen concentrar la oferta cultural y de ocio por razones obvias, relacionadas con su tamaño y el atractivo que tienen. Pero ello no quiere decir que otras urbes no puedan presentar también un interesante programa de ese tipo, incluso cuando su principal baza para atraer gente sea otra.

Si alguien reserva un vuelo a Palma de Mallorca llevará en mente, al menos en lo básico, disfrutar de las playas de la isla, del encanto de sus pueblos y paisajes, del patrimonio monumental de Palma… Pero, siendo factible todo eso, también se le pueden añadir opciones complementarias y una de ellas es la que inauguró CaixaFórum el pasado 25 de octubre. Se trata de una exposición de arte bajo el título H. Anglada-Camarasa. Una revisión pictórica de la Colección.

Los aficionados a la pintura ya saben que Hermenegildo Anglada-Camarasa fue un pintor barcelonés, nacido en 1879 y quizá el mejor representante de la versión pictórica del modernismo catalán. Un artista de éxito mundial que obtuvo galardones en certámenes internacionales y que al estallar la Primera Guerra Mundial se estableció precisamente en Mallorca, aunque luego estuvo una temporada exiliado en Francia por la Guerra Civil hasta su regreso en 1947.

Alejado de las vanguardias del siglo XX y con toques impresionistas en su técnica, su obra atravesó varias etapas, la última centrada en el paisajismo. Falleció en Pollença en 1957 y diez años más tarde su casa abría al público reconvertida en museo, institución adquirida en 1991 por la Fundación La Caixa.

Ahora rinde homenaje al maestro a través de una muestra que reúne un variado y amplio abanico de pinturas con la idea de ofrecer el conjunto desde una perspectiva personal y romántica, la que evoca la disposición original del museo de puerto de Pollença.

La entrada cuesta 5 euros, aunque los menores de 16 años entran gratis. Será en la Plaça de Weyler, 3 con un plazo bastante extenso por delante, ya que el final del evento está previsto para el 30 de agosto.

Descubriendo los secretos personales de Delacroix en París

martes, 12 de febrero de 2019 Comments off

¿Buscando destino para las próximas vacaciones de Semana Santa? Pues quien sea amante del arte en general y de la pintura romántica en particular ya tiene la solución y puede ir buscando algún vuelo a París porque el Museo del Louvre inauguró el pasado 7 de febrero una exposición especial dedicada a uno de los artistas más representativos de ese estilo: Eugène Delacroix.

Se titula Delacroix et Eugène. L’homme derrière l’artiste (Delacroix y Eugène. El hombre detrás del artista) y viene a ser un epílogo de la exitosa muestra que la institución francesa organizó el año pasado, convertida en la más visitada de su historia. La presente tiene la particularidad de haber sido concebida por una decena de estudiantes de la École du Louvre para profundizar en las facetas menos conocidas del maestro y dar una nueva perspectiva a su colección.

Y es que el lugar de encuentro en este caso no es el Louvre mismo pero sí un museo dependiente suyo, el Musée National Eugène-Delacroix, que desde 1920 está instalado en el que fue apartamento y último taller del pintor, en la Place de Fürstenberg, en pleno barrio de Saint-Germain-des-Prés. Es una recoleta casa con jardín que conserva no sólo la colección pictórica sino también otras piezas como grabados e incluso los pinitos literarios que probó a hacer.

Sus pasiones, lugares de refugio y otras cuestiones anecdóticas que entran más en la vida íntima que en la profesional, son la base de este evento que, de hecho, está basado en su diario personal y permite acceder a la ambivalencia y complejidad que caracterizaban su forma de ser, que era algo misantrópica y le llevaba a encerrarse en la soledad. Todo ello sin olvida la riqueza y diversidad de su arte, por supuesto, que al fin y al cabo son las razones de su inmortalidad.

Los estudiantes responsables de la muestra son Jade Barbet, Marion Benard, Eugenia Dell’Aiuto, Anne de Colonges, Louise Madinier, Isaline Msica, Marie-Liesse Postic, Rachele Riani, Alithea Soulie y Clemence Vergez, bajo la dirección de Dominique de Font-Réaulx (director de Programación y Mediación Cultural del Musée du Louvre) y la coordinación de Jessy Coisnon y Miléna Planche (del Museo Nacional Eugène-Delacroix).

Será en este poco conocido rincón de París hasta el próximo 6 de mayo, en horario de 9:30 a 17:30 excepto los jueves. La tarifa es de 7 euros, aunque resulta gratis con la entrada al Louvre y el primer sábado de cada mes.

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Recorriendo la Roma de los Severos en un evento temático

martes, 22 de enero de 2019 Comments off

Buscar un vuelo a Roma es girar el pomo de una puerta que se abre a la Historia. Toda ella pero con especial intensidad la antigua, pues no en vano sus restos arqueológicos afloran casi por doquier en la ciudad actual. Uno de los ejes principales de ese mundo clásico es el que se ubica entre el Coliseo y la llamada Área Arqueológica del Foro y el Palatino, en las que se acumulan restos y restos.

Ésos dos puntos son también los lugares elegidos para acoger una exposición temporal que lleva por título Roma Universalis. L’impero e la dinastia venuta dall’Africa (Roma universal. El imperio de una dinastía venida de África) y se centra en explicar el período de los Severos, una dinastía que gobernó el imperio entre finales del siglo II y las primeras décadas del III. Debían su nombre al primero de la lista, Septimio Severo.

Los Severos hicieron una contribución fundamental al desarrollo histórico y artístico romano, de ahí que los organizadores del evento, el Parque Arqueoogico del Coliseo con la promoción de Electa, hayan decidido prestarles atención con una ruta escalonada que discurre entre los monumentos que esos emperadores construyeron o restauraron en al zona citada. Por supuesto, ese patrimonio constituye la parte visible, la base de partida para profundizar en otros aspectos políticos, económicos y sociales de la época, así como en las reformas aplicadas por los Severos.

O sea, el recorrido permite ir viendo sitios de referencia típicos, como el Foro, el Palatino, las Termas de Hailiogábalo (que abren al público por primera vez y las estatuas y bustos encontrados en su interior se exponen en el Templo de Rómulo), el complejo Vicus ad Carinas, la Domus Augustana, la Domus Severiana, el Stadium y la Viña Barberini. Todo ello con información suministrada a través de paneles y reconstrucciones visuales.

Esta extraordinaria ocasión de ver buena parte de lo más emblemático de la antigua Roma y descubrir los entresijos de uno de sus episodios concretos se inauguró el pasado 15 de noviembre de 2018 y permanecerá abierta hasta el 25 de agosto de 2019. Las exposiciones están incluidas en la tarifa de los billetes para el Coliseo, el Foro y el Palatino, que asciende a 12 euros pero con precios según edades y otros muchos descuentos.

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El Prado presenta la pintura hispano-flamenca de Bartolomé Bermejo

martes, 8 de enero de 2019 Comments off

La colaboración entre el Museo del Prado y el Museu Nacional d’Art de Catalunya permite al espectador la admiración del virtuosismo técnico y el sugestivo mundo visual de un artista medieval no muy conocido, el cordobés Bartolomé Bermejo, que a pesar de ser andaluz desarrolló la mayor parte de su vida profesional en territorio de la Corona de Aragón.

Buen representante del estilo hispano-flamenco que caracteriza una etapa del gótico español, apenas hay datos sobre él salvo su fecha y lugar de nacimiento o que Bermejo se trataba en realidad de un apodo (alusivo probablemente a su calidad de pelirrojo), ya que su apellido auténtico era Cárdenas. Por los rasgos de su pintura se supone que debió estudiar en Flandes o, al menos, conocía bien el arte de esa zona de Europa que él tan bien imitó.

Es posible que fuera judeoconverso, de ahí que en su escueta biografía le encontremos en muchos sitios diferentes. Quizá pasó por Valencia, donde pintó el San Miguel de la iglesia de Tous (hoye en la National Gallery londinense) y luego llegó a Aragón, donde colaboró con maestros como Martín Bernat y Miguel Ximénez restaurando el retablo mayor de la Seo de Zaragoza, además de ocuparse del retablo mayor de la iglesia parroquial de Santo Domingo de Silos.

Daroca, Zaragoza, Barcelona… En esta última urbe firmó el retablo de la Piedad y desde ella se desplazó a Vich para hacer la Santa Faz de su catedral, que es la última obra suya de la que hay constancia documental, aunque parece que siguió trabajando un tiempo en vidrieras, acaso por necesidad económica. La muerte le llegó en la ciudad condal en 1501.

Siendo como fue uno de los artistas más relevantes del siglo XV, es manifiesto el interés que podría despertar para una exposición, por eso la gran pinacoteca de Madrid ha organizado la que titula sencillamente Bartolomé Bermejo. Su comisario es Joan Molina, profesor de la Universidad de Gerona, que ha reunido para la ocasión la mayor parte de las obras conservadas de Bermejo, 48 piezas, tanto en España como en museos de Europa y EEUU. Entre ellas figuran San Miguel triunfante sobre el demonio con Antoni Joan de Tou o la Piedad Desplá.

La muestra se inauguró el pasado 9 de octubre y permanecerá abierta hasta el 27 de enero, por lo que quedan las últimas semanas para reservar algún vuelo a Madrid y verla en la Sala C del edificio Jerónimos. Después viajará al Museu Nacional d’Art de Catalunya.

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El diálogo entre arqueología y cómic en una exposición del Louvre

miércoles, 26 de diciembre de 2018 Comments off

El Museo del Louvre siempre es una visita de referencia cuando se busca un vuelo a París. Su fabulosa colección permanente garantiza al menos una jornada de dedicación pero es que, además, esa institución suele ofrecer muestras temporales de gran interés y, a veces, bajo un prisma realmente insólito. Es lo que pasa actualmente con una titulada L’Archéologie en bulles (Arqueología en burbujas).

Inaugurada el pasado 26 de septiembre, el término burbujas no se refiere a lo que parece en primera instancia sino a lo que en el mundo del cómic español se llama bocadillos, es decir, los espacios donde se sitúan los diálogos de los personajes. Porque lo que pretende el evento es echar un vistazo a la relación entre arqueología y las diferentes artes, tocándole en este año 2018 al de las viñetas. Es algo que lleva haciendo un tiempo en la Petite Galerie del ala Richelieu del edificio.

Lo que en Francia se conoce como noveno arte se mezcla así con la arqueología en una peculiar combinación de realidad y ficción a través de un centenar de obras y una serie de páginas de algunos de los dibujantes de cómic más importantes del género, como Enki Bilal, Jul o Nicolas de Crécy. Todo ello distribuido por cuatro salas temáticas: Artistas y arqueólogos; Tesoros arqueológicos; Clasificación y comprensión; e Interpretar e imaginar-Creatividad de cómic.

Los comisarios de L’Archéologie en bulles son Jean-Luc Martinez (presidente-director del Museo del Louvre) y Fabrice Douar (manager editorial del Departamento de Programación Cultural e Interpretación), con Florence Dinet, también del museo, como manager del proyecto. Los interesados podrán visitar la exposición todos los días de 9:00 a 18:00 excepto los jueves por una entrada de 15 euros (que permite acceso también a la colección permanente y otras exhibiciones temporales), aunque el primer sábado de cada mes hay entrada libre.

Esta curiosa forma de complementar la visita a París permanecerá abierta hasta el 1 de julio de 2019, por lo que hay tiempo de sobra aún para programar el viaje.

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