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Abre el Pabellón del Reloj del Louvre

lunes, 8 de agosto de 2016 Comments off

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Buenas noticias para quienes hayan buscado alguno de los vuelos a París con la idea de pasar sus vacacines en la Ciudad de las Luces: desde el pasado 6 de julio está abierto el Pavillon de l’Horloge, es decir, el Pabellón del Reloj del Museo del Louvre, para atender las consultas que cualquier visitante pueda tener sobre el palacio, sus colecciones y sus funciones. ¿Qué queda de la construcción original? ¿Por qué se convirtió en un museo? ¿Cómo se adquirieron las primeras esculturas egipcias? ¿Qué proyectos tiene para el futuro?

Situado en una zona histórica entre la Cour Carré y la Cour Napoleón, el pabellón pasó de ser una parte del hogar de los reyes de Francia a un moderno museo con modelos interactivos, pantallas digitales para consultar sus fondos documentles (no sólo papel, también fotografías, películas y otras obras), contńdonos su historia a través de su colección.

Para ser exctos se ubica en al ala Sully y tiene tres niveles. En el primero, la planta baja, está el foso medieval y conserva restos de cuando era una fortaleza, antes de ser reconvertido en palacio. En el segundo, que es la primera planta, entramos a la Sala de la Chapelle, para descubrir las rics y variadas colecciones, su historia y el devenir del museo. En el tercero, el segundo piso, se informa de los proyectos y la labor cotidiana (adquisiciones, restauraciones, investigación), los lugraes donde hay satélites (Lens, Abu Dhabi) y sobre la red de museos franceses, de la que el Louvre forma parte.

El Pavillon de l’Horloge es algo así como la columna vertebral del Louvre, jugando un papel importante como presentación y guía. En ese sentido, se alinea con la reforma experimentada antes por otras áreas como la Petite Galerie o la pirámide misma, concebidas para facilitar el acceso al museo y hacer a éste más comprensible.

El pabellón se construyó entre 1624 y 1645 según el diseño clásico-barroco del arquitecto galo Jacques Lemercier, en el contexto de las obras de ampliación del Louvre que le encargó Luis XIII y tras demoler la estructura anterior de tiempos de Carlos V el Sabio. El nombre viene de un reloj que se instaló en la parte alta y que sigue ahí, caracterizando un nuevo atractivo para París.

Imagen por: King of Heaarts en Wikimedia

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Final de la Eurocopa en el Estadio de Francia

viernes, 24 de junio de 2016 Comments off

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Ha terminado la primer fase de Francia 2016, la Eurocopa, la competición futbolística más importante del continente a nivel de selecciones nacionales, y ya están decididos todos los cruces de octavos de final. Ahora se entra en el momento decisivo, el de las eliminatorias directas, donde no hay ya lugar para fallos y errores: o se gana o se vuelve a casa.

Es decir, quien se lleve el triunfo final tendrá que disputar cuatro partidos: octavos (25-27 de junio), cuartos (30 de junio-3 de julio), semifinales (6 y 7 de julio) y final. Ésta será el domingo 10 de julio y, como es lógico, su escenario será el mismo de la inauguración: el Estadio de Francia (Stade de France) de Saint-Denis, en París.

De forma elíptica, es el más grande del país, con capacidad para 81.338 espectadores, según configuración. Sustituye en su cometido al legendario Parque de los Príncipes desde que se inauguró con un partido de los anfitriones contra España en 1998, año en que acogió la final del Mundial galo. Desde entonces también se celebraron allí otros grandes eventos deportivos, como la final del Mundial de Rugby, dos finales de la Champions League o un Campeonato Mundial de Atletismo, entre otros.

Como es ya habitual en estos grandes recintos, dispone de una arquitectura ultramoderna y una avanzada tecnología, que incluye una plataforma retráctil para cubrir la pista de atletismo, el diseño para que la visión sea perfecta desde cualquier punto, un techo que cubre las gradas dejando libre el área de juego, múltiples instalaciones en el interior, pantallas gigantes LED y un césped que, sin embargo, no tiene debajo sistema calefactor (porque el estadio se ubica sobre unos antiguos depósitos de gas).

En suma, en los próximos días podremos ir haciéndonos una idea de qué equipos cuentan con más probabilidades de llegar a la final y hacerse con el triunfo. Por tanto, si creemos que el nuestro es un candidato potencial o simplemente somos fans incondicionales, quizá haya que empezar a pensar en la reserva de algún vuelo a París para el 10 de julio. Luego ya veremos si es necesario buscar entrada o no.

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Rousseau en el Museo de Orsay

viernes, 10 de junio de 2016 Comments off

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El Museo de Orsay vuelve a organizar una exposición de ésas que prometen convertirse en una referencia anual. Las inundaciones que asolaron Parías días atrás no parecen haber sido motivo suficiente de disuasión para interrumpir Le Douanier Rousseau. L’innocence archaïque (El Aduanero Rousseau. La inocencia arcaica), cuyo tema gira, como dice el título, en torno a la figura de Henri Rosusseau.

Aunque el nombre es sobradamente conocido, no lo es tanto el personaje: un pintor realmente singular que nació en el seno de una familia modesta y cuya formación fue autodidacta, como si de un artista permanentemente amateur se tratara pero que ha pasado a la historia del arte en el paso del siglo XIX al XX.

Como reseña también el título, Rousseau trabajó mucho tiempo en las aduanas de París -de ahí que sus amigos le llamaran el Aduanero– y no empezó a pintar hasta los cuarenta años, intentando aprender de pintores que le gustaban como Géròme o Bouguereau. En 1884 obtuvo autorización para hacer copias in situ en el Louvre, cosa que repitió en otros museos como los de Versalles o Luxemburgo.

Lo característico de Rousseau, sin embargo, es el desarrollo de su propio estilo, transformando el lenguaje académico en otro muy personal, aparentemente ingenuo e infantil pero muy coherente, fruto de lo que él mismo describía como «trabajo obstinado». Así consiguió convertirse en objeto de admiración de otros grandes maestros como Kandinsky, Picasso, Léger y los vanguardistas italianos y alemanes, por citar algunos, que estaban entusiasmados con sus obras.

Y es que Rousseau prescindía de las limitaciones de la perspectiva porque prefería transcribir una imagen mental al lienzo, aún cuando ello supusiera conferirle un tono arcaico; algo que, al fin y al cabo, entusiasmaba a sus incondicionales. Así que, mientras los expertos siguen debatiendo sobre si se trata del último hijo del XIX o el primero del XX, el Museo de Orsay ha decidido poner unas cuantas obras a disposición del público para que decida por sí mismo.

En realidad, la exposición se inauguró por primera vez el año pasado en el Palacio Ducal de Venecia pero desde el pasado 22 de marzo se puede contemplar en la capital francesa. Será hasta el próximo 17 de julio, buscando un vuelo a París y haciendo un hueco en la, a buen seguro, repleta agenda de visitas.

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Miquel Barceló toma París

viernes, 27 de mayo de 2016 Comments off

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Si para un artista exponer en un museo de París debe ser algo así como sueño, más aún lo será hacerlo en dos al mismo tiempo. En ésas está el mallorquín Miquel Barceló, que esta primavera es el protagonista en la capital francesa por sendas muestras de su obra: una en el Museo Picasso y otra en la Bibliothèque Nationale.

Ambas se combinan para configurar una completa retrospectiva que incluye obras conocidas pero también inéditas. La primera se centra en un análisis comparativo de los puntos de contacto entre Barceló y otro genio anterior como el malagueño que da nombre al museo. Es el primer artista contemporáneo que que recibe tal honor tras la reapertura de la institución en 2014. El taller es el elemento común de referencia por tratarse del lugar donde se crea la obra.

La selección de piezas es variada pero con una maestra de gran formato como principal atracción: el Gran Muro de Cabezas, que es una pared de ladrillo y otros elementos policromados mezclados en curioso totum revolutum. Además hay cerámica, yesos y fotografías de la época de Picasso.

En cuanto a la Biblioteca Nacional francesa, la entrada misma recorriendo otro muro aún más grande (190 metros de largo por 6 de alto), en este caso de arcilla y tachonado de elementos típicos de la iconografía de Barceló, resulta espectacular; al perecer, pretende ser un homenaje al sabio Ramón Lull por el 700º aniversario de su muerte. Aparte, hay otras originales creaciones, como un autorretrato hecho con láser o una colección de estampas, serigrafías, aguafuertes…

La doble exposición lleva por título Sol y sombra. En el Museo Picasso estará abierta hasta el 31 de julio mientras en la Biblioteca permancerá hasta finales del verano, el 28 de agosto. Tiempo suficiente en ambos casos para buscar algún vuelo a París y hacerles una visita.

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Las Islas Marquesas en el Musée Quai Branly parisino

martes, 3 de mayo de 2016 Comments off

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Ya hemos resaltado en alguna ocasión la recomendación de visitar el Musée du Quai Branly para todos aquellos que hayan buscado algún vuelo a París y quieran salirse un poco de lo habitual, bien porque acostumbran a no hacer las cosas que hacen los demás, bien porque ya conozcan lo típico de la capital francesa. Este museo es de etnología y antropología, por lo que su colección está formada por piezas de antiguas civilizaciones y culturas indígenas de África, Oceanía, Asia y América.

Pero también organiza exposiciones temporales temáticas de gran interés para los aficionados a ese mundo variopinto. Y ahora mismo, desde el pasado 12 de abril, tiene abierta una titulada Matahoata. Artes y sociedad en las Islas Marquesas, que permite hacer un viaje virtual a la exótica Polinesia, que, recordemos, fue un territorio colonial francés desde el siglo XVIII hasta hace relativamente poco tiempo.

Las Marquesas son el archipiélago más grande de esa zona del Pacífico y lleva el nombre del virrey del Perú García Hurtado de Mendoza y Manríquez, que era marqués de Cañete. Fueron bautizadas así por el navegante español Álvaro de Mendaña, quien las descubrió en 1595 cuando viajaba hacia las Salomón. Luego pasaron por allí el británico James Cook, el estadounidense James Ingraham y el francés Etienne Marchand, que fue el que tomó posesión del lugar aunque ésta no se concretó oficialmente hasta 1842.

No obstante, las Islas Marquesas han pasado a la historia ligadas más bien a los nombres de los artistas que pasaron por ellas, como Gauguin, Stevenson, Brel o Melville. Música, literatura, pintura… La influencia que recibieron de su cultura originaria, la occidental que dejaron ellos mismos… Esos dos mundos que se han integrado hoy en un mestizaje singular plasmado en obras donde es protagonista la figura humana con grandes ojos, así como otros códigos característicos que van desde la danza tradicional a los tatuajes.

Todo ello constituye el objeto de la citada exposición, comisariada por Carol Ivory (profesora de la Washington state university) y Véronique Mu-Liepmann (conservadora en el museo de Tahití y las Islas), y compuesta por más de trescientas piezas. Permanecera abierta al público en París hasta el proximo 24 de julio.

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Picassomanía en el Gran Palais de París

viernes, 18 de diciembre de 2015 Comments off

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El pasado mes de octubre, el Grand Palais de París inauguró una exposición temporal dedicada a uno de los grandes genios del arte de todos los tiempos, el malagueño Pablo Picasso. La muestra lleva por título Picasso.mania y está comisariada por Didier Ottinger (conservador general del Centro Pompidou) Diana Widmaier-Picasso (nieta del artista) y Émilie Bouvard (conservadora del Museo Picasso parisino).

No es la primera vez que ese centro dedica su atención al pintor español, puesto que en 2008 ya presentó una exhibición titulada Picasso y los maestros en la que mostraba como había sido influido por otros colegas y había adaptado las características de éstos a su propia idiosincrasia y estilo. Picasso.mania continúa en esa línea pero a la inversa.

En efecto, esta vez se trata de enseñar al público justo lo contrario: cómo multitud de artistas del siglo XX tomaron al malagueño como inspiración y versionearon sus creaciones. Para ello, los comisarios han reunido dos centenares de obras de autores procedentes de todas partes del mundo: desde el estadounidense Andy Warhol al africano Chéri Samba, del argelino Adel Abdessemed al británico David Hockney.

Así, el visitante ve pasar ante sus ojos las peculiares y personales versiones de piezas tan conocidas como Las señoritas de Avignon, los retratos de Olga Khokhlova, los arlequines, el Guernica, etc. Todas ellas distintas a sus originales pero conservando, bajo otras formas, el espíritu picassiano. Hay cuadros, fotografías, esculturas, vídeos, películas, instalaciones…

Picasso.mania estará abierta hasta el próximo 2 de febrero de 2016. Por tanto, aquel que esté buscando vuelo a París para descubrir el encanto turístico de la ciudad de las luces y además sea aficionado al arte, puede acercarse al Gran Palais y ver el edificio y la exposición en una misma tanda.

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Ver la obra de Warhol en París

martes, 8 de diciembre de 2015 Comments off

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Últimamente, el mundo del pop se ha convertido en asiduo a las exposiciones y parece que sigue de moda. Quien tenga billete en algún vuelo a París para antes del próximo 7 de febrero podrá sumar a su agenda de visitas el evento que organiza el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris y disfrutar con la obra de uno de los mejores representantes de ese divertido estilo: Andy Warhol.

Aprovechando la primera exhibición integral de Shadows (1978-79) en Europa, el museo parisino ha organizado una muestra sobre el polémico artista estadounidense que lleva su apellido por título y se compone de más de doscientas obras seleccionadas por los comisarios Sébastien Gokalp y Hervé Vanel.

Para ser exactos, Sombras se compone de ciento dos fotos serigrafiadas con diecisiete colores diferentes y cuya longitud alcanza más de ciento treinta metros. Las piezas de Shadows son una buena muestra de la burla de Warhol al convencionalismo artístico pero, además, vienen acompañadas de otras series como Jackies (1964), Flowers (1964-65), Electric Chairs (1864-71) o Mao (1972-73).

En Warhol se encontrará un compromiso constante con el espacio y el tiempo como medio de remodelar la percepción a través de una invitación a los espectadores a contemplar obras como Brillo Boxes (1964), sus célebres autorretratos (1966-81), Screen Tests (1964-66), Crows Wallpaper (1966), etc. Se incluyen una muestra de cine experimental (Empire, que dura ocho horas) y los espectaculares decorados para los conciertos de The Velvet Underground (Exploding Plastic Inevitable, 1966).

Tan aplaudido como criticado, Andy Warhol siempre conservó su privilegiada capacidad de sorprender al espectador, superando la etiqueta superficial que le definía como rey del Pop Art y reinventándose continuamente para mantener esa deliberada interrelación entre el artista y el público. Para ello, no dudó en convertirse en un maestro del exceso y el rupturismo. Nueva York era el escenario ideal para ello… y París para recordarlo ahora.

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El Museo de Orsay muestra la prostitución en el arte decimonónico

martes, 17 de noviembre de 2015 Comments off

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El Museo de Orsay de París, que es el más importante del mundo dedicado a la pintura impresionista, colabora con el Van Gogh de Ámsterdam en la organización de una singular y polémica exposición que lleva por título Splendeurs et misères: images de la prostitution, 1850-1910 (Esplendores y miserias: imágenes de la prostitución, 1850-1910).

El contenido resulta evidente: una visión del oficio más viejo que existe a través del arte y, más concretamente, mediante la exhibición de dos centenares de obras reunidas por las comisarias de la muestra, Marie Robert e Isolde Pludermacher, conservadoras del Museo de Orsay.

Maestros indiscutibles como Toulouse-Lautrec, Manet, Degas, Picasso, Vlaminck, Renoir, Van Dongen, Félicien Rop y muchos más, con límites cronológicos entre los años 1850 y 1910, son algunos de los representados. Por supuesto, no faltan algunas piezas clave como la famosa Olimpia, Las señoritas de Aviñón, La bebedora de absenta o una de los muchas mujeres en el baño de Degas.

Todo ello para explicar la frase que sirve de punto de partida a las comisarias y que fue formulada sardónicamente por el poeta Charles Baudelaire: «¿Qué es el arte? Prostitución». Con ese objetivo, los cuadros se acompañan de una variopinta colección de objetos complementarios, como calendarios, estampas, figuras, fotos y películas pornográficas, etc.

Quien reserve algún vuelo a París y visite la exposición encontrará especialmente curiosa la recreación del salón y la habitación de un burdel, así como la butaca que el rey de Inglaterra Eduardo VII usaba en sus encuentros amorosos.

Esplendores y miserias: imágenes de la prostitución, 1850-1910 estará abierta en el museo francés hasta mediados de enero de 2016 -hasta el día 17 para ser exactos- y después pasará al Museo Van Gogh en Ámsterdam, donde podrá verse entre febrero y junio del año que está a punto de empezar.

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La historia del tatuaje en una exposición parisina

viernes, 24 de julio de 2015 Comments off

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El tatuaje es una moda que parece haber llagado para quedarse y con un largo futuro por delante, aunque sólo sea por su carácter permanente e indeleble. Se trata de una costumbre importada de lugares exóticos y, por tanto, no ha de extrañar que el Musée du Quai Branly, un centro dedicado a la antropología ubicado en pleno París, le dedique una exposición especial.

Bajo el título Tatoueurs, tatoués (Tatuadores, tatuados), esta muestra rastrea el origen de la tradición tatuadora, comparándolo con el renacimiento global que vive en la actualidad. Todo empezó en sociedades primitivas de allende los mares (Asia, África, Oceanía…), donde el tatuaje tenía una función social, a la par que religiosa, como rito de integración en la comunidad. Traído por los marinos, en occidente se identificó con el submundo de la delincuencia y el espectáculo circense para luego servir de distintivo de las tribus urbanas.

Hoy parece, más que nada, una forma de autoafirmación a través del cuerpo. Por eso, esa combinación de aspectos psicológicos, sociológicos, antropológicos y artísticos merece la atención del museo, que busca dar una perspectiva nueva y completa a la historia del tatuaje. Para ello, se ha estructurado el evento en cinco secciones: De lo global a lo marginal; Un arte en movimiento; Piel nueva: renacimiento del tatuaje tradicional; Nuevos territorios del mundo; y Nuevos entintados.

Esas áreas se plasman en piezas variadas, como mapas, fotos, grabados y estampas, más 32 obras creadas ex profeso para la exposición y consistentes en 13 tatuajes realizados por maestros en miembros de silicona y 19 lienzos vírgenes confiados a otros tantos tatuadores de todo el mundo, desde expertos japoneses a europeos, pasando por norteamericanos, polinesios, etc.

Todo aquel que tenga vuelo a París para visitar la ciudad antes del 18 de octubre tendrá la oportunidad de acercarse al Musée du Quai Branly y contemplar esta muestra. Eso sí, se advierte de que algunas de las obras presentadas son susceptibles de herir la sensibilidad de los visitantes, especialmente del público joven.

Imagen: ©depositphotos.com/rod_julian

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Esta primavera, Jeff Koons y Hervé Télémaque en el Pompidou

lunes, 6 de abril de 2015 Comments off

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Quienes tengan pensado aprovechar esta primavera para buscar vuelos a París y empaparse de arte, que la capital francesa es pródiga en el tema, se les ofrece la posibilidad de un doble programa en el Centro Pompidou. Siempre que les guste el arte contemporáneo, claro está.

En primer lugar, la exposición sencillamente titulada Jeff Koons. Bastante ilustrativo el epígrafe: es un evento dedicado al artista estadounidense homónimo, todo un referente actual que ya había pasado antes por el museo pero en muestras colectivas, cuando aún era muy joven. Ahora lo hace en solitario, en una retrospectiva que muestra el genio divertido, sorprendente y algo estrambótico del que se considera que es uno de los herederos y revitalizadores del pop art.

Lúdico y subversivo a la vez, Koons exhibe en París sus características obras de acero policromado de aspecto infantil, así como esculturas en moldes de yeso para adornar parques y jardines, las piezas publicitarias, las imágenes de carácter erótico… O sea, su forma de plasmar la cultura popular, personal y colosal, atendiendo al tamaño de las obras. Será hasta el 27 de abril.

La otra posibilidad es la que protagoniza Hervé Télémaque en el mismo Centro Pompidou, que consta de setenta y cinco pinturas, dibujos, collages, objetos e instalaciones para componer otra retrospectiva del artista francés de origen haitiano. Exigente y de gran fuerza plástica, Télémaque practicó el expresionismo abstracto, el surrealismo y la contracultura a lo largo de su trayectoria, mientras exploraba la compleja relación entre imagen y lenguaje.

Comprometido con el llamado Tercer Mundo, ha colaborado con arte a criticar el colonialismo y otros aspectos de la política de su país, expresando las ideas en los materiales más variados e inauditos, desde objetos cotidianos a café molido, que remiten a fuentes africanas, si bien en los últimos tiempos parece haber regresado a la pintura.

La muestra dedicada a Hervé Télémaque se podrá visitar hasta el 18 de mayo, superponiéndose las fechas parcialmente a las de la exposición de Koons. O sea, que pueden caer dos de la misma tacada.

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