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El Reina Sofía ofrece una interesante exposición sobre la revista cultural peruana Amauta

martes, 19 de marzo de 2019 Comments off

A la mayor parte de la gente, el nombre<em> Amauta no le dirá nada. Especialmente en España, puesto que se trataba de una revista cultural peruana creada en 1926 por José Carlos Mariátegui, un escritor, periodista y político natural de Moquegua que también fue el fundador del Partido Socialista Peruano en 1928 (que luego pasaría a ser el Partido Comunista Peruano).

La publicación pretendía convertirse en un foro de discusión sobre la modernidad y vanguardias artísticas, difundiendo en Perú las nuevas corrientes que llegaban de fuera como el cubismo, el indigenismo o el psicoanálisis. De hecho, en sus páginas escribieron la mayoría de los intelectuales del país y muchos extranjeros, como Borges, Breton o Unamuno. Amauta alcanzó una tirada importante para su época y duró más de la media habitual, ya que sacó 33 números.

Crear un Perú nuevo dentro del mundo nuevo fue uno de sus objetivos declarados, no adscribiéndose a ningún grupo ni abogando por ningún programa concreto, ya fuera estético o político. Eso le permitió dar el salto internacional con cierto éxito, consiguiendo una amplia red de corresponsales no sólo por América Latina sino también por Europa. Tuvo, pues, un impacto cultural significativo y por eso el Museo Reina Sofía de Madrid inauguró el pasado febrero una exposición dedicada a la revista.

Se titula Redes de Vanguardia: Amauta y América Latina, 1926-1930 y está organizada por el Blanton Museum of Art de la Universidad de Texas en Austin y el Museo de Arte de Lima con la colaboración de la institución española y el apoyo de Promperú. Comisariada por Beverly Adams y Natalia Majluf, reúne más de 250 obras entre pinturas, esculturas, dibujos, fotografías, documentación y otras piezas de artistas diversos, entre ellos Diego Rivera.

La exposición se podrá ver en la tercera planta del Edificio Sabatini hasta el 27 de mayo, así que los interesados tienen tiempo por delante para ir buscando algún vuelo a Madrid, si viajan desde fuera.

Imagen: Naomiranda en Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0

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Toulouse-Lautrec en CaixaFórum Madrid

viernes, 22 de febrero de 2019 Comments off

Montmartre es un barrio de París que en 1880 era sinónimo de marginación y lumpen pero, a la vez, atraía a muchos creadores jóvenes que se instalaron allí atraídos por su ambiente bohemio y su bajo coste de la vida. Había escritores como Émile Goudeau, Alphonse Allais o Alfred Jarry, músicos como Erik Satie, Vincent Hyspa o Gustave Charpentier, intérpretes como Aristide Bruant e Yvette Guilbert, y pintores como Paul Signac, Pierre Bonnard o Henri-Gabriel Ibels.

Sin embargo, probablemente el más famoso y emblemático de todos ellos, al menos en lo que respecta a su vinculación con Montmartre, fue Henri de Toulouse-Lautrec, un artista de origen noble que salió adelante a despecho de la enfermedad que frenó su crecimiento en la infancia, aprendiendo de la mano de Luis Bonnat y Fernand Common, aunque le influyeron más las amistades que hizo, como las de sus vecinos Degas y Van Gogh. Instalarse en el barrio le sirvió para escapar de la rigidez del mundo burgués.

Al contrario que sus compañeros de estilo, los impresionistas, a Toulouse-Lautrec no le interesaba el paisaje, salvo el urbano y humano. Por eso sus obras, tanto cuadros como carteles e ilustraciones, están llenas de calles, cabarets, cafés, teatros, bailarinas y prostitutas; todo aquello, en suma, que caracterizaba Montmartre y, por tanto, la pintura de aquel artista que se convirtió en uno de los mejores representantes del movimiento impresionista.

Por eso el pasado 20 de febrero CaixaFórum Madrid inauguró una exposición para ilustrarlo bajo el título Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre. En ella se exhiben 350 obras procedentes de préstamos internacionales de colecciones públicas y privadas, tanto suyas como de otros contemporáneos, en lo que es una muestra interdisciplinar que pretende facilitar la comprensión de lo que fue aquel vibrante París del último cuarto del siglo XIX.

Se impone, pues, un vuelo a Madrid para acercarse a la sede de la exposición (Paseo del Prado 36). La entrada cuesta 5 euros (gratis para clientes del banco) y hay tiempo hasta el próximo 19 de mayo.

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Retrospectiva de Balthus en el Museo Thyssen

martes, 19 de febrero de 2019 Comments off

Todo aquel que esté planeando un vuelo a Madrid para pasar unos días o un fin de semana tiene ante sí unas cuantas exposiciones que se inauguran esta semana en diversos centros de la capital. Una de ellas es la del Museo Thyssen-Bornemysza, donde hoy precisamente empieza la que lleva por sencillo título Balthus.

Los aficionados al arte no necesitan más para deducir que está dedicada al pintor franco-polaco Balthasar Klossowski de Rola, apodado Balthus, uno de los más singulares e importantes del siglo XX hasta el punto de haber sido el único artista vivo que tenía una obra expuesta en el Louvre. Su obra no resultaba indiferente y de la misma manera que levantaba pasiones tenía también una legión de detractores: misterio, erotismo, onirismo y ciertos toques surrealistas caracterizaron su pintura, a la que se ha llegado a calificar de “posmoderna”.

Recibió influencia, según admitió él mismo, de maestros como Piero della Francesca, Caravaggio, Poussin, Géricault y Courbet, entre otros, así como algunos más modernos, ya fueran la Neue Sachlichkeit o las ilustraciones populares de libros infantiles decimonónicos. Por tanto, el suyo fue una peculiar y personal forma de vanguardismo que, sin embargo, conservaba un estilo figurativo y dejó poso en otros artistas, tanto pintores como escritores, fotógrafos y cineastas.

La muestra está comisariada por Raphaël Bouvier, con el apoyo de Michiko Kono, y Juan Ángel López-Manzanares, reuniendo piezas consideradas clave de todas las etapas de la carrera profesional de Balthus, desde su inicio en los años veinte, buscando aclarar las formas de interacción intelectual que las dimensiones espacio-tiempo, así como las relación entre figura y objeto, tienen en sus cuadros; en suma, la esencia del enigma que suele caracterizar su obra.

Esta retrospectiva, organizada conjuntamente por el Thyssen y la Fondation Beyeler en Riehen/Basilea, será visitable hasta el 26 de mayo en el museo de Madrid, procedente del suizo.

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Comida, cocina y cultura van de la mano en Madrid con el Gastrofestival 2019

martes, 29 de enero de 2019 Comments off

A todo aquel que se derrita ante un plato de buenas viandas y todo lo que cultural y lúdicamente pueda relacionarse con él hay que recomendarle que busque inmediatamente un vuelo a Madrid y se plante en la capital para disfrutar de un evento que no es nuevo pero que en cada edición vuelve con fuerza para empezar el año satisfaciendo curiosidad y estómago: el Gastrofestival.

En este 2019 empezó el pasado 23 de enero y va a continuar hasta el 10 de febrero, así que hay tiempo todavía para aprovechar alguna de las múltiples ofertas que incluye en su programa, el cual es un poco especial porque este año cumple su primera década. Una fiesta para los sentidos, todos, no sólo el gusto porque en realidad el Gastrofestival va más allá de la simple deglución de alimentos; incluye un importante componente cultural, como decíamos antes, que se pone de manifiesto en una serie de propuestas.

De hecho, son más de 450 las instituciones y establecimientos que participan a lo largo de esos diecinueve días (tres más que el año pasado) permitiendo que la oferta gastronómica de Madrid se ponga en valor vinculando el arte culinario con diversas disciplinas artísticas, caso de la pintura, la música, la literatura, el cine, el teatro, el diseño, la fotografía o la moda. Y es que no sólo toman parte negocios relacionados con la restauración sino también museos, librerías, auditorios, etc.

Todo ello estructurado en los habituales siete bloques temáticos que son Madrid Gastronómico, Gastrocultura, Experiencias Sensoriales, Enocultura, Gastrofashion, Gastrosalud y Gastrofestival Solidario, a los que este 2019 se incorporan dos grandes novedades: la sección Gastrofestival Recomienda (selección de platos de una treintena de restaurantes locales) y un recetario de cocina casera madrileña (veinte recetas para ser exactos) elaborado por aficionados madrileños a los fogones.

Lo verdaderamente original de Gastrofestival es el abanico de posibilidades. Hay experiencias como los Menús cinco estrellas, Degustatapas o Gastrobocatas, entre otros ejemplos, pero también rutas guiadas, cursos, talleres, exposiciones y muchas cosas más. Que no sólo de comer vive el Hombre.

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El Prado presenta la pintura hispano-flamenca de Bartolomé Bermejo

martes, 8 de enero de 2019 Comments off

La colaboración entre el Museo del Prado y el Museu Nacional d’Art de Catalunya permite al espectador la admiración del virtuosismo técnico y el sugestivo mundo visual de un artista medieval no muy conocido, el cordobés Bartolomé Bermejo, que a pesar de ser andaluz desarrolló la mayor parte de su vida profesional en territorio de la Corona de Aragón.

Buen representante del estilo hispano-flamenco que caracteriza una etapa del gótico español, apenas hay datos sobre él salvo su fecha y lugar de nacimiento o que Bermejo se trataba en realidad de un apodo (alusivo probablemente a su calidad de pelirrojo), ya que su apellido auténtico era Cárdenas. Por los rasgos de su pintura se supone que debió estudiar en Flandes o, al menos, conocía bien el arte de esa zona de Europa que él tan bien imitó.

Es posible que fuera judeoconverso, de ahí que en su escueta biografía le encontremos en muchos sitios diferentes. Quizá pasó por Valencia, donde pintó el San Miguel de la iglesia de Tous (hoye en la National Gallery londinense) y luego llegó a Aragón, donde colaboró con maestros como Martín Bernat y Miguel Ximénez restaurando el retablo mayor de la Seo de Zaragoza, además de ocuparse del retablo mayor de la iglesia parroquial de Santo Domingo de Silos.

Daroca, Zaragoza, Barcelona… En esta última urbe firmó el retablo de la Piedad y desde ella se desplazó a Vich para hacer la Santa Faz de su catedral, que es la última obra suya de la que hay constancia documental, aunque parece que siguió trabajando un tiempo en vidrieras, acaso por necesidad económica. La muerte le llegó en la ciudad condal en 1501.

Siendo como fue uno de los artistas más relevantes del siglo XV, es manifiesto el interés que podría despertar para una exposición, por eso la gran pinacoteca de Madrid ha organizado la que titula sencillamente Bartolomé Bermejo. Su comisario es Joan Molina, profesor de la Universidad de Gerona, que ha reunido para la ocasión la mayor parte de las obras conservadas de Bermejo, 48 piezas, tanto en España como en museos de Europa y EEUU. Entre ellas figuran San Miguel triunfante sobre el demonio con Antoni Joan de Tou o la Piedad Desplá.

La muestra se inauguró el pasado 9 de octubre y permanecerá abierta hasta el 27 de enero, por lo que quedan las últimas semanas para reservar algún vuelo a Madrid y verla en la Sala C del edificio Jerónimos. Después viajará al Museu Nacional d’Art de Catalunya.

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Exposición y venta del arte del dibujante de cómics Milo Manara

martes, 4 de diciembre de 2018 Comments off

Podrá gustar más o menos pero no hay aficionado al cómic que no sepa quién es Milo Manara. Se trata de uno de los dibujantes más destacados del llamado arte secuencial, un maestro ya veterano que, curiosamente, descubrió su vocación un poco por casualidad, ya que al principio se dedicaba a la pintura y sólo cambió cuando trabajaba para el escultor español Miguel Ortiz Berrocal, en cuya biblioteca descubrió el mundo de las viñetas.

Influido claramente por otros clásicos (el francés Moebius, el también italiano Hugo Pratt…) publicó su primer trabajo en 1968. Ya entonces mostró inclinación por el erotismo, su género favorito y que impregna incluso otras obras distintas que también firmó. Algunas se consideran ya clásicas, como El Rey Mono, Las aventuras de Giuseppe Bergman (la primera en solitario), El clic o El perfume del invisible, por citar aquellas de predominio del sexo; Verano indio o El gaucho, entre las historicistas.

En estas últimas colaboró con su admirado Pratt, igual que en Viaje a Tulum adaptaba un guión inédito del cineasta Federico Fellini. Después siguió trabajando a destajo, con nuevos títulos que han ido engordando su producción: Gulliveriana, Revolución, La metamorfosis, Kamasutra, Los Borgia, Caravaggio… Incluso ha hecho una incursión en el mundo de los superhéroes: X-Men: Ragazze in fuga (con guión del prestigioso Chris Claremont).

Así que, volviendo a los aficionados, desde el pasado 16 de noviembre tienen la ocasión de ver de cerca, en Madrid, el arte de Manara en una exposición titulada L’essenziale. Milo Manara, que se puede ver en la galería El arte del cómic; la organiza en colaboración con la belga Huberty & Breyne Gallery y muestra, entre otras cosas, las portadas de obras como Miele o las mencionadas Viaje a Tulum y Los Borgia, además de ilustraciones para la serie Zodiaco y bocetos preparatorios.

Por otra parte, habitualmente la galería ofrece la posibilidad de comprar originales y, de hecho, todas las piezas expuestas están a la venta. Una oportunidad única de hacerse con una obra de un arte, peculiar si se quiere -y popular-, pero que ya se ha hecho un hueco en los estudios de su historia y ha dejado atrás el cierto menosprecio que recibía antaño.

Eso sí, quien viaje de fuera deberá buscar un vuelo a Madrid, pues El arte del cómic tiene su dirección en el número 10 de la calle Acuerdo de la capital. Abre jueves y viernes de 12:00 a 13:45 y de 18:00 a 20:15, más los sábados de 12:00 a 14:00 y de 18:00 a 20:15, y cobra una entrada de 4 euros.

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El Museo del Prado celebra su segundo centenario con una exposición sobre el tema

martes, 20 de noviembre de 2018 Comments off

Suena casi a tópica pero la realidad es que si se reserva un vuelo a Madrid con la idea de conocer lo más interesante de la capital resulta inevitable reservar un hueco para acercarse el Museo del Prado. No supone un esfuerzo; al contrario, una vez dentro el visitante que nunca haya estado se llevará a una sorpresa y el que ya lo conozca seguirá descubriendo rincones y novedades que, tanto en un caso como en otro, garantizan salir de esa experiencia con plena satisfacción.

Y ahora con más razón todavía, porque la que está considerada pinacoteca más importante del mundo celebra su segundo centenario y lo hace con una exposición especial titulada Museo del Prado 1819-2019. Un lugar de memoria. Está comisariada por por Javier Portús, Jefe de Conservación de Pintura Española (hasta 1700) de la institución, y supone un viaje por el devenir del museo a través de ocho etapas y ciento sesenta y ocho obras escogidas, de las que ciento treinta y cuatro corresponden a colecciones propias y el resto a préstamos de museos de todo el mundo.

Esas etapas son: 1819-1833-El Museo Real, 1833-1868-El Museo de la Trinidad. El descubrimiento europeo del arte español, 1868-1898-La nacionalización del Prado. Una meca para los pintores, 1898-1931-Una Edad de Plata. Progresos científicos. La creación del Patronato, Donaciones y legados, 1931-1939-En el camino. República y Guerra Civil, 1939-1975-El franquismo y 1975-2019-Una historia compartida.

Como se puede apreciar, un recorrido cronológico que empieza el 19 de noviembre de 1819 al inaugurarse el Museo Real con fondos procedentes de las colecciones reales. El rey Fernando VII tomó la decisión a instancias de su esposa, María Isabel de Braganza, siguiendo la estela de otros sitios como Francia con el Louvre, Inglaterra con la National Gallery o Berlín con la Pinacoteca. Madrid se unió así a ese grupo de ciudades que no sólo inventariaban su patrimonio artístico sino que lo mostraban a sus ciudadanos.

De paso, la creación del Museo del Prado sirvió para reivindicar la pintura española, que estaba absurdamente olvidada en el plano internacional; por eso inicialmente sólo se hacían adquisiciones de artistas nacionales. Los aficionados actuales no tienen ese desconocimiento y por eso se prevén muchas visitas desde aquí hasta la fecha de finalización del evento, que será el 10 de marzo de 2019.

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El mundo de los faraones en el CaixaFórum madrileño

martes, 23 de octubre de 2018 Comments off

El antiguo Egipto siempre ejerce una especial atracción sobre el público. Su arte, su historia, su iconografía en general, resultan fascinantes para casi todos, por eso cada poco suele haber alguna exposición relacionada con aquella milenaria civilización. La más reciente se inauguró el pasado 17 de octubre en Madrid, en la sede de CaixaFórum, y lleva por significativo título Faraón. Rey de Egipto.

Como todo el mundo sabe, faraón es la palabra con que los egipcios denominaban a su rey. Significa Gran Casa y designaba un cargo que regía la vida y la muerte de un país que se desarrollaba a lo largo de las fértiles riberas del Nilo, las cuales se dividían originalmente en dos reinos: el Alto Egipto (interior) y el Bajo Egipto (zona del delta). Una vez unificados, los faraones encarnaban esa unión portando la doble corona que representaba a ambos.

Encargados de proteger su tierra y a sus súbditos, también tenían el deber de garantizar el Maat, es decir, el orden del universo, como dioses vivientes encarnados en este mundo, hijos de Horus. Lo hicieron durante un extenso período que abarca aproximadamente desde el año 3.100 a.C hasta el 30 a.C, cuando los romanos incorporaron Egipto a su imperio. Para entonces ya se habían sucedido dinastías autóctonas y foráneas (hicsas, nubias, griegas)

La muestra de CaixaFórum reúne una selección de 164 piezas procedentes de uno de los muesos de egiptología más interesantes que existen, el British Museum. A través de esos objetos se pretende explorar los ideales, simbolismos e ideología de aquellos gobernantes que han dejado a la posteridad algunos nombres inolvidables, como los que siguen nombrando a las grandes pirámides (Kéops, Kefrén, Micerino, Snefrú, Zoser…) o lo que conocemos por avatares de su vida (Akhenatón, Tutmosis III, Hatshepsut, Ramsés II, Tutankhamón…).

Entre esas obras figuran la tapa del sarcófago de Ramsés VI, una cabeza del faraón guerrero Tutmosis III, la estatua del funcionario Sennefer, varias losetas del palacio de Ramsés III, la estatua del faraón Senuseret III o una figura del dios halcón Ra-Horakhty protegiendo a Ramsés II. con todo ello no sólo se pretende hablar de los faraones sino también mostrar la realidad de la vida en el Valle del Nilo. Será hasta el 20 de enero, fecha en la que el evento viajará a otras localidades españolas.

Faraón. Rey de Egipto abre a diario de 10:00 a 20:00 (aunque los días 24 y 31 de diciembre más el 5 de enero lo hará hasta las 18:00, cerrando los festivos navideños). La entrada cuesta 4 euros pero los clientes de CaixaFórum entran gratis. Eso sí, quien viva fuera deberá reservar antes un vuelo a Madrid.

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El arte de Disney en CaixaFórum-Madrid

martes, 11 de septiembre de 2018 Comments off

Salvando las distancias, el papel que antaño ejercieron como contadores de historias infantiles los hermanos Grimm, Hans Christian Andersen, Perrault o Esopo, por citar sólo a algunos, lo ejerció en el siglo XX Walt Disney -también entre otros-, aunque fuera cambiando el soporte. Su importancia en ese terreno es tal que ha dejado un poderoso legado que décadas después de su muerte continúa proporcionando entretenimiento a nuevas generaciones de niños.

Por eso y porque su relación con el arte va más allá de la literatura, entrando ampliamente en el terreno plástico, es frecuente que museos e instituciones organicen exposiciones sobre su producción. Y precisamente el pasado 19 de julio se inauguró una en España; concretamente en el Caixafórum de Madrid. Se titula Disney. El arte de contar historias y ofrece al visitante materiales originales que explican el paso de argumentos y personajes de la tradición oral a esa nueva forma de expresión artística que es el cine de animación.

Un cine seguido masivamente, hay que decir, pues se cuentan por muchísimos millones sus espectadores. Y es que aquel joven dibujante estadounidense, que no soltaba los lápices ni cuando colaboró con la Cruz Roja durante la Primera Guerra Mundial y dejó sus primeros trabajos en el medio publicitario para adentrarse en la animación en 1920, llamó la atención de Hollywood y su vida dio un giro radical.

Creó el estudio que lleva su nombre, ocho años después incorporó el sonido a sus películas incrementando aún más su éxito y en 1937 se consagró en la historia del cine con el estreno de Blancanieves y los siete enanitos, el primer largometraje de animación de la historia y pionero también de una larga serie de clásicos realizados cíclicamente adaptando cuentos de toda la vida. A lo largo de las décadas, cada generación ha tenido títulos con los que disfrutar; tantos que resultan casi innumerables: Pinocho, La bella durmiente, El libro de la selva, 101 dálmatas, La sirenita, El rey león

La exposición de CaixaFórum está compuesta por una colección de dibujos diversos (acuarelas, bocetos, impresiones digitales…) que muestran la trayectoria creativa de los estudios Disney, pero también hay otras piezas como storyboards, bosquejos de personajes, notas de producción y materiales que, en suma, permiten entender el proceso de adaptación de esas historias clásicas a la gran pantalla en versión animada.

La entrada cuesta sólo 4 euros, así que es cuestión de buscar algún vuelo a Madrid y acercarse a la sede de la Obra Social de La Caixa, situada en el antiguo edificio industrial de la Central Eléctrica del Mediodía. El plazo es hasta el 4 de noviembre.

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En septiembre también hay festivales de música: llega el Get Mad!

martes, 4 de septiembre de 2018 Comments off

La entrada en el mes de septiembre, aún cuando para algunos supone la época preferida para coger vacaciones por el descenso de precios, el tiempo todavía benigno y la desmasificación en destinos y aeropuertos, es el principio del fin del verano para la mayoría de la gente. Y no falta quien asume esa dura realidad de volver al trabajo o a los estudios con un canto del cisne en forma de festival de música. El Get Mad! cumple perfectamente esa función.

Y eso que es algo de esta edición, pues la fecha de celebración de las dos anteriores era precisamente la contraria, en mayo, justo antes de entrar en la temporada estival. En cualquier caso este año el evento llegará los días 14 y 15 del mes, viernes y sábado respectivamente; lo que no cambia es el lugar, pues tal como indica su nombre, la sede está fijada en Madrid.

Así, en sentido amplio, ya que habrá varios escenarios repartidos por la ciudad para, como dice su propia web oficial, “convertirla en un auténtico hervidero de punk, rock, hard rock y psicodelia”. Concretamente, las actuaciones serán en las salas But, El Sol, Wirlitzer Ballroom, Boite Live y Changó.

El cartel se distribuirá de la siguiente manera: el viernes 14 la primera sala acogerá los conciertos de The Undertones y Art Brut, mientras que el sábado lo hará con los de Luna, Spectrum y Melange; la Changó hará otro tanto con Ángelus Apátrida, Aura Noir y Grave Pleasures el viernes, por Crippled Black Pheenix, Jardín de la Croix, The Picturebooks y Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs el sábado.

En el resto de locales, el primer día estarán No Age, Shannon and The Clams, Amyl and The Snifers, La Luz, Jeff Rosenstock, The Asteroid #4, Los Estanques, Bleeding Ignees Club y Hickeys; el segundo, Nobunny, The Fresh and Onlys, Matt Hollywood and The Bad Feelings, The Babe Rainbow, The Cry!, Los Wilds y Buried Feather.

Como se puede apreciar, un programa alejado de tópicos para descubrir otra música, alejada del mainstream, lo que le da al Get Mad! un carácter casi underground que muchos recibirán con los brazos abiertos por oposición a los macrofestivales habituales por estas fechas. Las entradas y abonos oscilan entre 20 y 40 euros, dependiendo de la sala y la función elegida. Así que sólo quedará reservar el correspondiente vuelo a Madrid si se viaja de fuera.

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